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CCN Ballet de Lorraine / dir. Maud Le Pladec
la Villette
05 - 07 mai, 2025
Laurent-Philippe.gif)
Fidèle à son ambition de porter un nouveau répertoire, le CCN / Ballet de Lorraine présente deux créations, commandées à Maud Le Pladec et Marco da Silva Ferreira, qui explorent la plasticité et l’énergie du groupe.
Soit deux pièces traversées par l’euphorie et l’extase, qui forment un programme très excitant. Maud Le Pladec a imaginé Static Shot comme un plan cinématographique d’une trentaine de minutes, où le mouvement et le regard ne s’arrêtent jamais. Au plateau, les corps et les sons font bloc en un climax permanent. Porté par les 130 battements par minute de la musique signée DJ Chloé et Pete Harden, le groupe bouge à l’unisson et se recompose en permanence, en une chorégraphie pop et hypnotisante.
C’est une forme de transe collective qu’explore le chorégraphe portugais Marco da Silva Ferreira en s’inspirant de la folia, danse folklorique d’origine rurale, qui offrait aux bergers du XVIe siècle une échappatoire aux conventions sociales. Elle est à l’origine d’un thème qui a traversé l’histoire de la musique, sur lequel le compositeur baroque Arcangelo Corelli a imaginé une variation, ici revisitée avec des synthétiseurs. Une mise en miroir de la fête traditionnelle portugaise et des danses de notre époque.
Marco da Silva Ferreira / Maud Le Pladec - CCN Ballet de Lorraine / dir. Maud Le Pladec - Video
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Out of Context - for Pina
Alain Platel
CENT #104 Paris
07 - 09.04.2025
dans le cadre du Festival Séquence Danse Paris
Pièce culte du répertoire d’Alain Platel, Out of Context - for Pina est une plongée dans les méandres de l’expérience humaine, à la recherche d’un langage physique lié à l’inconscient, à l’arbitraire et à l’incontrôlé.
À la banalité des vêtements que portent à leur entrée en scène les neuf interprètes virtuoses d’Out of Context - for Pina, succède bientôt la singularité de corps en sous-vêtements colorés, traversés par des petits tics et des grands mouvements. Avec agitation et nervosité, les voilà plongés dans les méandres de l’existence humaine, à la recherche d’un état à mi-chemin entre l’humain et l’animal, une sorte d’harmonie qui dépasserait la dualité entre le beau et le laid, le bien et le mal, l’individu et la communauté. Deux micros sur scène captent leurs murmures, fredonnements et hurlements, comme autant de tentatives de reconstruction et de communication.
Salué par une presse et un public unanimes dès sa création en 2010, Out of Context - for Pina est le seul spectacle du répertoire d’Alain Platel à être toujours joué par ses interprètes originaux. En espérant continuer à le faire aussi longtemps que possible et ainsi vieillir (physiquement) dans une performance, ils et elles donnent la possibilité à de nouvelles générations de découvrir cette œuvre phare.
OUT OF CONTEXT - FOR PINA / Alain Platel - Video
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Cie Hippocampe
Pour votre bien
Théâtre Clavel
Les samedis 15, 22 et 29 mars 2025 à 19h30
Thriller à l'humour grinçant, Pour Votre Bien interroge notre rapport à la peur. Dans une société où tout est contrôlé, même les émotions, deux étranges fonctionnaires débarquent chez une femme avec une mission bien particulière : lui installer la peur. Et cela... pour son bien !
À travers des mises en scène tantôt glaçantes, tantôt absurdes, ils testent les peurs qui feront d'elle une "bonne citoyenne". Mais jusqu'où sont-ils prêts à aller ? Et comment réagira-t-elle face à cette intrusion inattendue ? Entre moments de tension et humour noir, Pour Votre Bien explore notre rapport à la peur : une émotion qui protège, mais qui peut aussi devenir un outil de manipulation.
Ce spectacle mêle théâtre visuel, performance physique et création sonore pour offrir une expérience unique, drôle et troublante. Un voyage captivant où le rire côtoie le frisson, et qui ne laisse personne indifférent.
Pour votre Bien - Compagnie Hippocampe Video
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LA COULEUR DE LA GRENADE
MOURAD MERZOUKI
Théâtre Victor- Hugo Bagneux
JEU 27 MARS à 20H, 2025
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Figure incontournable du hip-hop en France depuis
les années 90, Mourad Merzouki présente pour la
première fois en Ile-de-France sa 37e création, basée
sur le film culte de Sergueï Paradjanov, Sayat-Nova
(La couleur de la grenade), en hommage à celui-ci à
l'occasion du centenaire de sa naissance. Ce
spectacle franco-arménien mêle la danse hip-hop
aux danses et musiques traditionnelles arméniennes
sur fond de musique électro. Théâtre et cinéma se
partagent la scène, pour transmettre toute la poésie
du réalisateur.
Sayat Nova est un ovni cinématographique, alliant
minimalisme et symbolisme. Il raconte la vie et l’oeuvre
de Sayat Nova, poète arménien du xviiie siècle, dans
un film entre songe et documentaire, qui exerce une
fascination peu commune.
la_couleur_de_la_grenade-c_julie_cherki
Après une formation initiale en arts martiaux et
cirque, Mourad Merzouki découvre le hip-hop à 15 ans
et cofonde la compagnie Accrorap en 1989, avant de
créer Käfig, en 1996. Avec 32 créations diffusées dans
65 pays devant plus de 2 millions de spectateurs, il
contribue à ancrer le hip-hop sur la scène
contemporaine, notamment par la création de Pôle
Pik en 2009 et des festivals Karavel et Kalypso. De
retour dans l’est lyonnais après avoir été Directeur du
CCN de Créteil jusqu’en 2023, il continue de bâtir
des ponts entre les publics et les disciplines.
LaCouleurdelagrenade -Video
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RÉSIDENCE DE DANSE
L’ÉCOLE DES SABLES ET LE LAVOIR MODERNE PARISIEN
Résidence AIR DE TEMPS, avec la chorégraphe Alesandra Seutin
Du 17 au 24 mars 2025
au
Lavoir moderne parisien
Cinq danseurs et danseuses de la diaspora africaine ont été sélectionnés par les équipes de l’Ecole
des Sables et du Lavoir Moderne Parisien dans le cadre de son projet Air
de Temps, qui se déroulera dans un premier temps à Paris du 17 au 25 mars, puis du 2 avril au 2 mai
2025 à Toubab Dialaw, Sénégal.
La formation Air de Temps, programme de l’Ecole des Sables, vise à fournir des bases essentielles
aux futurs danseurs interprètes, en les préparant physiquement et mentalement à une carrière
potentielle sur scène et hors scène.
Les cinq participants apprendront le répertoire de la compagnie Jant-Bi II (Sénégal) et acquerront
des outils pour leur développement en tant que danseurs, interprètes et collaborateurs artistiques.
Ils bénéficieront également d’une formation en administration culturelle et de connaissances
techniques pour mieux appréhender l’univers de la création.
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Pour la beauté du geste
Cie Hippocampe
Exposition vivante – Préambule du festival
Théâtre Victor- Hugo Bagneux
DIMANCHE 23 MARS à 17H00H, 2025
Nous vivons une période où il apparaît de plus en plus clairement que notre rapport avec la nature est en crise.
L’exposition vivante Pour la beauté du geste est née dans les jardins, massifs, ruches et espaces verts de la Ville de Bagneux. La cie Hippocampe, artiste associé au TVH, a rencontré les personnes qui y travaillent, a récolté leurs témoignages, capturé leurs gestes professionnels, écouté leur passion pour la terre.
De ces rencontres, ils ont extrait la matière de cette installation qui regroupe cinq comédien·ne·s et extraits vidéos.
Située dans un futur dystopique dans lequel on imagine que les gestes originaux se seraient perdus dans un monde encore plus profondément mécanisé, cette exposition qui ne manque pas d’humour regroupe des gestes faisant figure “d’antiquités” que des artistes ont patiemment appris et préservés, parfois détournés sans le vouloir. Un·e commissaire d’exposition accueillera les spectateurs pour une visite commentée et loufoque au cœur de la beauté du geste.
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Lucinda Childs
Four New Works
chaillot théâtre national de la danse
19th to 22nd of March, 2025
LucindaChilds-by-Cameron-Wittig
Lucinda Childs, icône de la post-modern dance, propose une série de quatre nouvelles pièces courtes, dont un solo dansé par la chorégraphe elle-même et une pièce de plus grande envergure sur une musique de Hildur Guònadóttir et Philip Glass.
Programme
Actus
Duo, sur la cantate Actus Tragicus (BWV 106) de Johann Sebastian Bach.
Distant figure
Ensemble sur une musique originale de Philip Glass.
Geranium Solo
Performance solo avec Lucinda Childs, basée sur Geranium (1965) et accompagnée de l'œuvre vidéo 'Day Still Night Again' (2022) d'Anri Sala.
Timeline
Ensemble sur une musique originale de Hildur Guðnadóttir.
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Christos Papadopoulos / Dance On Ensemble
Mellowing
CENT #104 Paris
20 > 22.03.2025
dans le cadre du Festival Séquence Danse Paris
Le chorégraphe Christos Papadopoulos offre la finesse et la précision de son écriture aux interprètes du Dance On Ensemble dans une pièce au minimalisme puissant.
De l’imperceptible vibration à la formation du mouvement, de la singularité de chaque corps au trait harmonieux d’une chorégraphie synchronisée, Mellowing explore à la fois l’infinie richesse des expressions individuelles et l’intensité d’une pièce de groupe. Soit une somme d’énergie et de tensions, libérées par la simplicité des gestes, la précision et la douceur de leur exécution sur les irrésistibles rythmes de l’electro minimaliste composé par Coti K. Dans cette rigueur formelle, les danseuses et danseurs trouvent une liberté galvanisante.
C’est en étroite collaboration avec ces interprètes que Christos Papadopoulos a imaginé sa nouvelle création, née d’une curiosité pour la mémoire et l’expérience de ces corps déjà aguerris. La compagnie Dance On Ensemble, fondée à Berlin en 2015, réunit en effet des artistes de plus de 40 ans et a pour ambition de créer, pour eux, un solide et riche répertoire chorégraphique. Programmée en 2024 dans le cadre de Séquence Dance Paris, Elvedon (pièce qui a révélé le chorégraphe grec en 2015) invitait déjà à faire l’expérience d’une temporalité distendue.
Christos Papadopoulos and Dance on Ensemble - Mellowing - Video
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LES BALLETS DE MONTE-CARLO
JEAN-CHRISTOPHE MAILLOT, SHARON EYAL
Théâtre de la Ville
Feb 28 - Mar 05, 2025
A CELEBRATION OF THE ENERGY OF A BODY IN MOVEMENT, THE ESSENCE OF TWO MAJOR WORKS, ONE RADIANT, THE OTHER AT FEVER PITCH.
Thirty years ago Jean-Christophe Maillot put his name to the most symbolic of works set to the incandescent beat of music by John Adams. Abstract elements and vital energy form an ode to life that is still as irresistibly enthralling. Over three decades, the deluge of color and beat has been delighting audiences of the Ballets de Monte-Carlo and has been passed on to other leading troupes. The company has now opened up its repertoire, as if for exchanging experiences, to include Sharon Eyal in the repertoire, presenting a work from the repertoire performed from Gothenburg to Munich, and now in Monaco. With Sharon Eyal, the sunny side of the slope
Vers un pays sage / Autodance Les Ballets de Monte-Carlo Jean-Christophe Maillot Sharon Eyal - Video
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Malandain Ballet Biarritz
Les Saisons
Le 13e Art
5 au 15 Février, 2025
Mickael-Conte-et-Claire-Lonchampt_Les-Saisons-©-Olivier-Houeix
Créé en 1998, le Malandain Ballet Biarritz s’est imposé comme l’une des compagnies les plus actives du paysage chorégraphique français. Composée de 22 danseurs permanents, elle réalise chaque année une centaine de représentations sur les plus grandes scènes françaises, européennes et internationales, où elle a acquis une solide réputation.
Très attaché à la culture du ballet classique dont il ravive les codes, Thierry Malandain nous présente « Saisons » ballet qui entrelace les célébrissimes Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi à plusieurs pages des Quatre Saisons de l’année, œuvre méconnue de Giovanni Antonio Guido.
Dans un décor de pétales noirs s’étalant sur tout l’horizon, des êtres ailés portent le deuil de l’esprit et de la clarté. Parce que les Saisons ne sont qu’un ballet et qu’il n’y a rien de plus sérieux que les choses invraisemblables.
LES SAISONS - Video
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Angelin Preljocaj / CCN d'Aix-En-Provence
Annonciation / Un Trait d’Union / Larmes blanches
chaillot théâtre national de la danse
23 - 31 January, 2025
Annonciation © Laurent Philippe
Ce programme est l’occasion de voir ou revoir trois pièces maîtresses du répertoire d’Angelin Preljocaj. Un voyage à travers deux duos : la beauté picturale et l’intimité charnelle d’"Annonciation", l’énergique quête de l’autre d’"Un trait d’union", pour finir en beauté sur les liaisons dangereuses du quatuor de "Larmes blanches".
Angelin Prejlocaj / CCN d'Aix-En-Provence Annonciation / Un Trait d’Union / Larmes blanches - Video
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BEN DUKE
Ruination : The True Story of Medea
French Premiere
LES ABBESSES
Jan 21 - Jan 26, 2025
ruination_by_lost_dog_photo_by_camilla_greenwell
BEN DUKE’S DANCE-THEATER PIECE IS DARING AND DIVERTING. IS MEDEA A VICTIM OR A MURDERER?
Ben Duke, the envoy for dance-theater in the English-speaking world,
offers a contemporary and highly original view of the classics. After his notable adaptations of Shakespeare and Dickens, he has now chosen Medea, devising actions and relationships from the perspective of the female character who can regain control of her own tale in history. As an iconoclast and master of irony he has changed the views of the legendary couple, offering the woman accused and allegedly guilty the possibility to speak out and have a fair trial, while also having Jason appear before the court and forced to admit to acts of negligence and pride. The approach is edifying, and brilliantly executed by nine performers excelling in all fields, singing, acting and dancing, with a wealth of expression on all levels, from comic to tragic.
Lost Dog’s Ruination - Video
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Le Firmament
Lucy Kirkwood, Chloé Dabert
Théâtre du Rond-Point
8 - 18 janvier 2025
Salle Renaud-Barrault
du mardi au vendredi, 19h30 - samedi, 18h30
Relâche : les 12 et 13 janvier
Durée 2h45 dont 20 minutes d'entracte
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1759, en Angleterre, dans une petite ville de province. Après le meurtre d’une fillette, douze femmes sont arrachées à leur quotidien afin d’intégrer un jury populaire pour décider du sort d’une jeune domestique, laquelle affirme être enceinte pour échapper à la peine capitale. Tandis que la foule attend avec férocité les délibérations, les jurées, d’âges et de conditions différentes, prennent peu à peu conscience du pouvoir qui leur est offert et croisent leurs récits de vie dans une confrontation à huis clos. Écrit par l’auteure britannique à succès Lucy Kirkwood, Le Firmament nous entraîne dans une fresque judiciaire et sociale. Chloé Dabert en livre une version magnifiée, conjuguant mécanique théâtrale implacable et distribution féminine hors pair.
Le Firmament de Lucy Kirkwood et Chloé Dabert - Théâtre du Rond-Point - Video
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Huellas
Olivier Meyrou
Théâtre du Rond-Point
8 - 18 janvier 2025
Salle Jean Tardieu
8 — 18 janvier 2025
Mardi au vendredi, 20h - samedi, 19h
Dimanche, 15h30
Relâche le lundi 13 janvier
Note d’intention
Comme tout le monde, nous nous interrogeons sur notre futur.
Nous sommes allés observer les empreintes laissées par Néandertal avec les
archéologues du site paléolithique du Rozel.
Des mains et des pieds figés il y a plus de 80 000 ans. Des milliers
d’empreintes qui respirent encore le mouvement.
Comme les archéologues qui étudient la façon de couper un arbre avec la
réplique d’un outil découvert sur un site archéo pour envisager un autre mode
de vie - et au-delà une philosophie - nous nous sommes inspirés de ces
empreintes pour créer un mouvement brut lié à la nécessité.
L’acrobatie est un art de l’exploration. L’exposition à notre part animale, nous
connecte à ce qui fait la permanence de la nature humaine.
Les réponses aux questions existentielles se trouvent aussi dans cette
exploration.
En entrant dans la salle, le public découvre un site archéologique incrusté sur
scène : un grand losange d’argile noire de 8 mètres par 7.
Au loin, il devine les percussions d’un kultrum ancestral (tambour mapuche).
Comme un appel.
Deux acrobates font corps avec l’argile. L’impact de leurs chutes, leurs
souffles, résonnent dans le théâtre.
Il y a dans leur mano à mano quelque chose d’universel.
Deux insectes perdus dans l’immensité mais en quête d’une réponse.
Cette réponse tient toute entière dans l’humanité qui les réunit et dans
l’attention qu’ils prêtent à la terre.
Dans ce cirque intemporel, la terre devient la porteuse des acrobates.
Huellas de Olivier Meyrou - Théâtre du Rond-Point - Video
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ZIP ZAP CIRCUS
La Villette
Moya
Dès 5 ans
Discipline
Cirque
Localisation
Espace Chapiteaux
Durée
1h00
11.12.2024 -
29.12.2024
Dix jeunes artistes de la compagnie de cirque sud-africaine Zip Zap présentent un spectacle haut en couleurs, où techniques acrobatiques et danses dessinent le portrait de la nation arc-en-ciel rêvée par Nelson Mandela.
Dans un même mouvement ludique et généreux, Moya est à la fois une performance spectaculaire et le portrait de dix jeunes artistes dont les histoires individuelles font écho au destin d’une nation. Moya est un mot zoulou qui signifie esprit, air, âme et vent. C’est un moteur de vie capable de faire ressortir le meilleur en chacun d’entre nous. Le terme est lié au concept d’ubuntu, qui pointe l’interdépendance et un sens de la responsabilité universelle pour son prochain, philosophie au cœur de l’école Zip Zap. Implantée au Cap depuis trente ans, elle utilise les arts du cirque comme levier d’épanouissement et d’émancipation pour une jeunesse sud-africaine en proie à la précarité et à la violence. Le spectacle convoque un éventail impressionnant de techniques circassiennes (sangles aériennes, roue Cyr, jonglage, monocycle, trapèze, portés…) ainsi que de nombreux styles de danses sud-africaines, pour révéler les personnages, raconter leurs envies d’évasion, de rencontres, d’accomplissement et de fraternité.
Spectacle en placement libre
Zip Zap Circus | Moya - VIDEO
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After Show
Collectif L'Avantage du doute
Théâtre du Rond Point
22 novembre - 21 décembre 2024
Salle Jean Tardieu
du mardi au vendredi, 19h30 - samedi, 18h30 - dimanche, 15h30
Relâche : les lundis et les dimanches 1er et 8 décembre
Durée 1h30
Pourquoi sommes-nous incapables de regarder la mort en face et vivre en paix avec nos défunts ? Pourquoi, dans nos sociétés occidentales, prêtons-nous si peu d’attention au trépas, lui préférant sans vergogne la jouissance éternelle ? Le Collectif L’Avantage du doute, qui ne perd jamais une occasion d’interroger nos failles, se saisit de ces questions existentielles et nous invite à accueillir la finitude avec sagesse et même avec joie. Et comme à tout sujet grave, humour est bon, ces artistes tout feu tout flammes empruntent sans retenue les voies fertiles de la dérision : bouffonneries, tubes improbables, carnaval et valse de fantômes… Dans After Show, la frontière entre les vivants et les morts disparaît et la Grande Faucheuse se fait amie !
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For Gods Only
Olivier Dubois, Marie-Agnès Gillot
Théâtre du Rond Point
28 novembre - 7 décembre 2024
Salle Renaud-Barrault
du mercredi au vendredi, 20h30 - samedi, 19h30 - dimanche, 15h
Relâche : les 2 et 3 décembre
Le chorégraphe Olivier Dubois répond une nouvelle fois à l’appel du Sacre. Après l’opus conçu pour Germaine Acogny en 2014, il poursuit, avec For Gods Only, sa collection de Sacre(s) du printemps qu’il confie cette fois-ci à la danseuse étoile Marie-Agnès Gillot, pour qui il confesse une admiration sans bornes. Et c’est précisément la figure de la légende qu’il questionne ici. Devenir une icône, n’est-ce pas se faire déposséder de sa destinée ? Devenir le musée de soi-même ? Étoile éternelle, Marie-Agnès Gillot devient samouraï sous le regard d’Olivier Dubois. Comme chez Nijinski, elle incarne l’Élue et offre sa vie en sacrifice aux yeux du monde. Précise, habitée, céleste, elle exécute une danse inouïe et nous illumine de son immense talent.
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Body Concert
Boram Kim, Ambiguous Dance Company
Théâtre du Rond Point
20 - 23 novembre 2024
Salle Renaud-Barrault
du mercredi au vendredi, 21h - samedi, 20h
Durée 1h
Les artistes coréens occupent de plus en plus le devant de la scène, confirmant la vitalité créative du pays.
C’est le cas notamment d’Ambiguous Dance Company qui présente Body Concert dans le monde entier, avec un succès jamais démenti.
Entre farce et clins d’œil, cette chorégraphie jubilatoire propose d’abolir les frontières entre les genres. Empruntant aussi bien au ballet classique, au hip-hop, à la danse contemporaine qu’aux raves techno, Body Concert invite à une relecture de l’histoire chorégraphique sans se prendre au sérieux. Avec un vrai sens du rythme et une énergie folle, la compagnie embarque tous les publics, petits et grands, dans ce show à couper le souffle !
Body Concert de Boram Kim et Ambiguous Dance Company - Théâtre du Rond-Point - Video
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François Chaignaud
Petites joueuses
4 - 16 novembre 2024
Musée du Louvre
Pour la troisième année consécutive, le Festival d’Automne poursuit son partenariat avec le Musée du Louvre, développant ensemble une collection de performances contemporaines inédites dédiées au musée et à ses œuvres. À l’occasion de l’exposition « Figures du fou. Du Moyen âge aux romantiques », qui explore la valeur subversive de l’insensé dans la société médiévale, le danseur et chorégraphe François Chaignaud présente Petites joueuses, une pièce en forme de parcours immersif et continu dans le Louvre médiéval ou des créatures mutantes et résonnantes investissent ses fortifications, et forment un troublant carnaval.
Petit joueur, petite joueuse : ce terme péjoratif, synonyme de lâcheté, de manque d’ambition, le chorégraphe François Chaignaud se l’est approprié afin d’en subvertir les significations. Affirmer par la singularité, l’insolence ou la légèreté des corps, une autre manière d’investir l’espace, tout en brouillant le champ sémantique de la grandeur attaché au lieu consacré de l’art. Des petites joueuses performant dans le Grand Louvre, inventant leurs propres règles, déjouant les codes, introduisant du trouble, du jeu, de l’équivoque – faisant dégonfler les effets d’autorité de cette immense machine d’exposition. En prenant le Louvre par son revers, cette communauté de performeurs et de performeuses révèle les couches archéologiques de sa partie médiévale ; un par une, chaque visiteur découvre ses fondations, accédant à un organisme vivant, exhalant, bruissant, peuplé de figures graves ou cocasses. Petites joueuses agit comme un contrepoint aux « Figures du fou. Du Moyen âge aux romantiques », une nef chantante, affirmant la centralité de la marge.
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Chaillot invite #2 La Maison des Pratiques Artistiques Amateurs
Performance
12 novembre 2024
Salle Renaud-Barrault
du mercredi au vendredi, 21h - samedi, 20h
Durée 1h
La Maison des Pratiques Artistiques Amateurs investit Chaillot pour une soirée créative et festive, illustrant la richesse et la diversité des pratiques chorégraphiques amateurs. Au programme : capoeira Angola, voguing, danse contemporaine, folklore colombien, hip-hop et fusion bellydance, le tout orchestré par Julien Adjovi, alias Wrestler.
La Maison des Pratiques Artistiques Amateurs est un établissement culturel de la Ville de Paris qui a pour mission d’encourager, de développer et de valoriser les pratiques artistiques amateures.
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BLANCA LI
Didon et Énée
la Villette
Espace Chapiteaux du 17 au 31 octobre, 2024
Dindon et Enee - Blanca.Li
De l’histoire tragique de Didon et Énée et du chef-d’œuvre qu’elle a inspiré au compositeur Henry Purcell, Blanca Li tire une interprétation chorégraphique et plastique d’une fascinante liberté. Une fable à la fois intemporelle et contemporaine, portée par dix danseurs, où le clair-obscur renforce le climat de magie et d’intimité.
L’amour entre Didon, reine de Carthage, et Énée, futur fondateur de Rome, reste l’un des passages les plus émouvants de L'Énéide de Virgile.
Dans le livret qu’il en tira pour le fameux opéra d’Henry Purcell (1689), Nahum Tate prit pourtant soin de gommer les principales péripéties pour laisser la musique déployer sa pleine puissance évocatrice. Un parti pris libérateur pour la chorégraphe Blanca Li, qui s’est à son tour attachée à souligner par la danse les non-dits de la musique et du texte, en faisant résolument primer le symbolisme sur le réalisme. Sur la version enregistrée par Les Arts Florissants, elle livre de cet opéra, l’une des plus hautes expressions du tragique de la passion amoureuse, une interprétation chorégraphique et plastique d’une fascinante beauté, qui en souligne la force intemporelle.
De l’amour malheureux entre Didon et Énée, du suicide de Didon, alimenté par la renommée (la « fama »), qui communique immédiatement au peuple et aux dieux la nouvelle de leurs amours impossibles – comme aujourd’hui les réseaux sociaux propagent aveuglément la moindre rumeur –,
Blanca Li crée une fable visuelle d’une palpitante fantaisie.
Avec:Alizée Duvernois, Gaël Rougegrez, Julien Marie-Anne, Meggie Isabet, Victor Virnot, Coline Fayolle, Maeva Lassere, Martina Consoli, Gaëtan Vermeulen, Quentin Picot
Blanca Li - Didon et Énée - Video
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Ligia Lewis
Still Not Still
CENTRE POMPIDOU
23 - 26 oct. 2024
Avec Still Not Still, la jeune chorégraphe Ligia Lewis, originaire de République dominicaine, développe une chorégraphie pour sept interprètes en réaction à la marginalisation historique des personnes noires et non-occidentales.
Ligia Lewis utilise l’obscurité comme un lieu d’imagerie critique et d’imagination. À l’aide de la forme médiévale de la complainte (une lamentation musicale répétitive) et en alliant le registre comique à la tragédie, Ligia Lewis convoque une langue théâtrale singulière et poétique. Faite d’humour noir et de références surréalistes, elle s’oppose à toute illusion de progrès historique. Ligia Lewis imagine alors un monde suspendu dans le temps, un monde à l’arrêt.
Peut-on reléguer au passé une histoire pleine de lacunes et de trous – et en particulier pour celles et ceux qui en sont hors-champ ? L'histoire, ou plutôt une certaine version de celle-ci, peut-elle être anéantie, exposée tel un cadavre et dépouillée de toute rationalité ?
L’Histoire telle que nous la connaissons est défaillante et insuffisante, façonnée par ses vainqueurs. Que pourrait-on voir apparaître de ces cendres ? Le spectacle Still Not Still est le fruit de ces questionnements.
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DEEPDAWN /
SOROUR DARABI
Mille et Une Nuits
la Villette
Pavillon Villette du 16 au 19 octobre, 2024
Le chorégraphe iranien Sorour Darabi, résidant en France depuis 2013, dévoile son premier opéra, spectacle déambulatoire qui donne la place aux voix que les anciens mythes ont marginalisées. Une pièce créée par et pour des corps engagés.
À l’origine des Mille et Une nuits, il y a le constat que dresse Sorour Darabi du caractère conservateur de l’opéra, où n’existent ni les corps issus de la diversité, ni l’expression de la sexualité hors-normes. Mais il y a aussi l’évidence que l’opéra, forme d’art total, est celle indiquée pour prolonger son travail, qui embrasse la danse, le théâtre, les arts visuels, le chant et la poésie. De cette réflexion naît un projet qui travaille une esthétique de la voix transgenre. Pour la plupart des personnes trans, les traitements hormonaux entraînent une mue de la voix, qui affecte le placement du son dans les cordes vocales. C’est cette fragilité et cette texture émotive que les Mille et Une Nuits portent, aux antipodes de la perfection technique normative. Un opéra du XXIe siècle, émancipateur, porte-parole d’esthétiques et de pensées différentes, pour construire un autre rapport au monde.
Spectacle debout
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POUFS AUX SENTIMENTS
Clédat & Petitpierre
Le CARREAU du TEMPLE
Mercredi 16 octobre à 19h30 et jeudi 17 octobre 2024 à 14h30
Une rêverie absurde et poétique autour de l’amour dont les réminiscences nous proviennent d’un monde lointain, témoin d’un goût certain pour la théâtralité et l’artifice !
Deux chorégraphes-plasticiens imaginent un ballet burlesque, baroque, végétal et capillaire qui s’amuse des codes de la séduction. Où l’art baroque décoiffe en douceur, par parodies de ballet et autres folies bien tempérées, sur les sentes de la Carte du Tendre.
Chez Yvan Clédat et Coco Petitpierre, les arts plastiques, le corps et le mouvement peuvent se fondre en un seul élan créateur. Dans Poufs aux sentiments, deux énormes perruques-sculptures en blanc de céruse, suivis par deux buis, s’observent et se séduisent dans un jardin à la française qui cultive d’espiègles petits mystères. Sous influence du XVIIe siècle et de la romanesque Carte du Tendre, le quatuor, réjouissant, s’amuse de l’image utopique du sentiment amoureux. Raphaëlle Delaunay et Sylvain Prunenec, aux compositions capillaires monumentales et outrageusement poudrées, se charment l’un l’autre par leurs mimiques et gestuelles et suivent la voix douce et chantante d’un invisible maître de ballet qui les guide dans leurs parodies des pas de danse académiques. Échappant à notre regard, sous les formes les plus farfelues, les buis se fondent dans la perspective baroque, se cachant tels des paparazzis.
L’idée de cette parodie ludique est venue à Clédat & Petitpierre à partir de recherches sur un petit frère oublié de la danse baroque, à savoir le ballet burlesque, créé à l’époque en réaction à la préciosité de la danse de cour. Une invitation à s’amuser avec l’histoire française, à tout âge et en toute saison.
CLÉDAT & PETITPIERRE - Poufs aux sentiments - Video
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GRANDE MESS / LE SACRE DU SUCRE
Clémence Baubant / Lēnablou
Le CARREAU du TEMPLE
Jeudi 10 et vendredi 11 octobre 2024 à 19h30
« Grande Mess » et « Le Sacre du sucre » célèbrent une même envie de beauté, de profondeur et de jubilation, pour deux chorégraphes femmes qui questionnent le geste, reliant présent, histoire et mythologie !
Du carnaval de Guadeloupe au geste libre d’une chorégraphe caribéenne de la première heure, deux femmes questionnent le geste qui relie le présent, l’histoire et la mythologie. Deux souffles, deux générations et une même envie de beauté, de profondeur, de jubilation.
Dans l’univers antillais, Grand Mess ne désigne pas un culte chrétien. Clémence Baubant nous amène vers la face cachée du déboulé, le carnaval de la Guadeloupe, à partir de rencontres avec les participant·es de cette marche dansée et codifiée. Dans un univers sonore renouvelé, trois femmes revisitent le rapport intime du corps à la marche et aux rythmes, où surgissent des reflets acoustiques de la procession. Sur le plateau, le geste dansé en trio relie les temps immémoriaux à la culture pop et aux figures mythologiques ou historiques, telles Ladjablès ou la Mûlatresse Solitude, immortalisée par André Schwarz-Bart.
La seconde proposition de la soirée, Le Sacre du sucre, semble d’abord évoquer les plantations et donc l’esclavage. Sauf que Lēnablou cultive un dialogue entre corps dansant et corps sonore – elle partage le plateau avec deux musiciens – qui ne vient « revendiquer ou dénoncer quoi que ce soit ». Ayant fait carrière aux États-Unis et en Amérique latine en retraçant l’intelligence corporelle de la danse Gwoka, Lēnablou - figure incontournable de la danse contemporaine en Guadeloupe trop rarement invitée sur les plateaux européens - tire de la tradition une danse pure et dégagée, libérant la vérité universelle d’une femme qui n’a plus rien à prouver.
GRANDE MESS - Video
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Rachid Ouramdane / Ballet du Grand Théâtre de Genève
Outsider
la Villette
Grande Halle du 21 au 24 juin, 2024
Création 2024
Avec vingt-et-un danseurs et danseuses du Ballet du Grand Théâtre de Genève et quatre sportifs de l’extrême, Rachid Ouramdane propose une pièce travaillée par l’image de la nuée. Une horizontalité du mouvement associée à la musique hypnotique de Julius Eastman.
Depuis plusieurs années, Rachid Ouramdane oriente son écriture pour des foules en mouvement, au fil de pièces qui questionnent la communauté et la place que chacun y cherche.
Après avoir mobilisé le Ballet de l’Opéra de Lyon (Tout autour, 2014) et le Ballet de Lorraine (Murmuration, 2017),
le chorégraphe embarque vingt-et-un interprètes du Ballet du Grand Théâtre de Genève, mais aussi quatre sportifs de l’extrême pour une création où les disciplines se croisent.
Outsider travaille l’image de la nuée et ce moment précis où l’horizontalité du mouvement est en péril.
La pièce questionne le point limite que peut dépasser un danseur ou un sportif.
Une chorégraphie au risque de la chute et de la ligne brisée, en dialogue avec la musique répétitive de Julius Eastman, figure trop méconnue du bouillonnement new-yorkais des années 70 et du minimalisme. Elle est une pulsation lancinante qui guide les déplacements groupés des interprètes. Comme une nuée aux prises avec le jeu de lignes créé par les volumes du décor et la scénographie lumineuse.
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« Broken Brain »
Trois spectacles chorégraphiques distincts
Organisés par MulVaBé Danse et Cyberdanse Paris
Gymnase Vaugirard-Littré
87 rue de Vaugirard
75006 Paris
Dimanche 23 juin 2024
• Spectacle 1 à 13h00 : Danse classique (Classe débutants 1) et Flamenco
• Spectacle 2 à 14h30 : Danse classique (Classe intermédiaires) et Ateliers
• Spectacle 3 à 16h00 : Danse classique (Classe débutants 2) et French cancan
Entrée gratuite – Réservation conseillée
Informations et réservations :
tél. : 06 41 48 99 02
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Génération A #3
théâtre paris-villette
5 jours pour découvrir la nouvelle génération de la danse contemporaine en Afrique
10 - 14 juin 2024
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Programme
lun 10 juin à 20h
VAGABONDUS • Idio Chichava (Mozambique)
L'APRES-MIDI D'UN FAUNE • Mcintosh Jerahuni (Zimbabwe)
mar 11 juin à 20h
Voix d’Elle • Lou Véronique
La première danse politique • Josué Mugisha
+ d'infos
mer 12 juin à 20h
Dag Papa • Alioune Diagne
Un voyage autour de mon nombril • Julie Iarisoa
+ d'infos
jeu 13 juin à 20h
XARITO - AMITIE • Gaël Kafuma NDécky & El Hadji Malick NDiaye (Sénégal)
ECHOGR'ART-PHIE • Agathe Djokam Tamo (Cameroun)
+ d'infos
ven 14 juin à 20h
Mangeuses d’âmes • Salamata Kobré
Zouglou • Hippolyte Bohouo
+ d'infos
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Génération A • Jour #1
Vagabundus / Échogr’Art-Phie
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Idio Chichava / Agathe Djokam Tamo
théâtre paris-villette
lun 10 juin 2024
danse
À l’invitation du Théâtre Paris-Villette, Fatima Ndoye et Alioune Diagne ont imaginé Génération A.
La troisième édition de ce temps fort d’une semaine promet chaque jour la découverte de jeunes artistes issu·es de différents pays d’Afrique et représentatif·ves d’une nouvelle génération : résolument contemporaine, créative, insoumise et toujours engagée !
Vagabundus
Idio Chichava
Vagabundus est une pièce chorale dans laquelle treize corps et voix prennent possession de l’espace, comme pour en élargir les frontières. Ici le ciel et la terre se confondent, le sol devient océan, les corps chantent et crient pour que les cœurs restent vivants. Un voyage, immense, cyclique et intemporel…
Mozambique
durée : 1h10
Échogr’Art-Phie
Agathe Djokam Tamo
Entre détournement d’objets, biorythmique corporelle, gestes intimes et physiques, Echogr’Art-Phie aborde la féminité du quotidien et questionne autrement l’amour véritable par le biais du phénomène menstruel. Agathe Djokam Tamo défend une danse indéniablement puissante et précise, très directe, très droite : une déflagration.
Cameroun
durée : 40 min
Génération A #3 - Video
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Angelin Preljocaj
Requiem(s)
la Villette
Grande Halle du 23 mai - 06 juin , 2024
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Angelin Preljocaj travaille pour cette nouvelle création grand format autour de la forme du requiem. Il cite bien sûr les plus connus : Verdi, Mozart, Ligeti, Fauré mais le chorégraphe apporte toujours à ses spectacles ce pas de côté contemporain qui caractérise son travail.
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TENDRE CARCASSE
Arthur Perole
Le CARREAU du TEMPLE
Mercredi 29 et jeudi 30 mai 2024 à 19h30
Quelle place occupe notre corps dans la construction de notre identité ? Comment le regard de l’autre modifie la vision de notre corps ?
Le chorégraphe Arthur Perole réunit quatre jeunes vingtenaires en un chœur où mots, gestes et mouvements sont intimement liés puis déliés. À l’emprise du regard des autres sur nos corps, Tendre Carcasse répond par la nécessité du collectif et la tendresse du lâcher prise.
Quelle place occupe notre corps dans la construction de notre identité ? Comment le regard de l’autre modifie la vision de notre corps ? À partir de ces questions, Arthur Perole a recueilli la parole des quatre interprètes de Tendre Carcasse, des récits aux frontières de l’autobiographie et de la fiction qui sont la colonne vertébrale de la pièce, portés par des voix omniprésentes. Avec douceur mais sans faillir, elles confient leurs souvenirs de puberté ou des complexes dont ils et elles ont eu alors à souffrir, leurs réflexions sur l’envie de plaire ou la nécessité de répondre aux injonctions et assignations. Organisé·e·s en un chœur solidaire, les interprètes suivent deux lignes qui vont bientôt se croiser : celle de ces voix partagées entre adresse au public, conversations et pensées énoncées, et celle des gestes qui les traduisent, les accompagnent puis s’en détachent en une transe joyeuse et exaltée. Après l’avoir accompagnée dans sa longue apnée, la musique prend le pouvoir sur la parole, comme une libération, une fête pulsée et dansée où se défaire de nos fardeaux et assumer nos ambivalences. En chemin, la mise en commun de ces histoires aura fabriqué une vision plus douce de nos propres corps et dessiné le portrait d’une jeunesse bienveillante, où l’amour est un engagement naturel et collectif.
Tendre Carcasse Création - Video
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COMMITMENT PHOBE
IRA BRAND
Théâtre de la Bastille
Dans le cadre du Paris Globe Festival
Performance Ira Brand et Tiana Hemlock-Yensen
Mercredi 29 mai et Jeudi 30 mai 2024
Réhabiliter le doute, voilà le projet de la performeuse britannique Ira Brand qui partage la scène avec Tiana Hemlock-Yensen en un duo faisant de l’équilibre instable tout un art. Dans un monde sans cesse changeant, que croire et comment choisir ?
Pourquoi faudrait-il toujours prendre position et parti, avoir une opinion politique, trancher, être sûr de ce que l’on pense et de ce que l’on veut ?
Commitment Phobe est une exploration en actes de cet espace indéfini entre le oui et le non.
Cette zone trouble et floue. Une démonstration qui se traduit concrètement par un plateau-chantier où s’expérimentent les réactions en chaîne d’une machinerie à base de poulies et matériaux récupérés élaborée en direct tandis qu’une voix off nous guide sur les sentiers inconfortables du doute. L’issue de la mécanique est imprévisible malgré l’ultra-précision de la construction. Et dans cette incertitude-même se niche le réel et le plaisir d’un art définitivement vivant.
Commitment Phobe | Ira Brand - Video
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Fresh from The Place
la Villette
Grande Halle du ven. 3 et sam. 4 mai, 2024
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La réjouissante vitalité de la jeune scène chorégraphique anglaise, condensée en une sélection de cinq pièces proposées par le centre londonien The Place. Une créativité débridée, aux sons du funk, de la soul et du jazz.
The Place est l’une des structures les plus dynamiques et innovantes consacrées à la danse en Europe. À l’invitation de La Villette, elle investit la salle Boris Vian pour une soirée présentée par Jean-Daniel Broussé, le circassien frenchy qui monte outre-Manche. Au programme : de l’humour (anglais, forcément) et cinq courtes pièces pour mettre en valeur le talent, la créativité et la diversité de la danse britannique. Et découvrir une génération qui puise dans des styles très différents, du hip-hop à la danse contemporaine en passant par le kathak. La chorégraphe Kesha Raithatha s’empare de cette danse du nord de l’Inde pour forger un vocabulaire neuf, dont elle donnera un aperçu lors d’un solo. Fresh from The Place a également choisi de mettre en avant la compagnie SAY, qui injecte l’énergie des concerts dans son travail chorégraphique, ou encore Jamaal Burkmar, qui orchestre un big bang entre musiques et mouvements pour imaginer la formation de l’univers. Une ambition et une joie sans limite, à l’image d’une soirée immanquable. The place to be !
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Näss (Les Gens)
Chorégraphie Fouad Boussouf
Théâtre La Scala
Du 23 au 28 avril 2024
La puissance musicale et chorégraphique de « Näss » transporte interprètes et spectateurs des vibrations du Maroc aux palpitations actuelles des danses urbaines
Le directeur du Centre chorégraphique national du Havre se souvient de l’aura exceptionnelle du groupe musical Nass el Ghiwane, dans le Maroc des années 1970. Puisant aux sons traditionnels, ce groupe résonnait aussi avec la contestation populaire. N’y a-t-il pas une analogie avec le rôle occupé par le hip-hop des origines ? Sur scène, sept danseurs masculins le disputent dans la maîtrise impressionnante d’une palette de techniques très diversifiée, chacun engagé dans sa singularité. Le chorégraphe a inspiré, et orchestré, une composition de groupe qui tient toujours en haleine. Ses combinaisons inépuisables ne veulent rien perdre d’une culture du pays d’origine (où Fouad Boussouf a voulu transporter la troupe pour une part du travail), tout en la vivifiant au bain des danses urbaines. Quelque chose d’un rite, d’une transe, imprègne ce tumulte sacré.
Näss (Les Gens) – Chorégraphie Fouad Boussouf - Video
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6.58: MANIFESTO
Andrea Peña / Premières dates en France !
Le CARREAU du Temple
Mercredi 24 et jeudi 25 avril 2024 à 19h30
Un triptyque chorégraphique puissant où esthétique plastique, musique électronique et partition dansée s'entremêlent !
L’influence croissante de la technologie sur nos personnalités est au cœur de la recherche d’Andrea Peña qui crée des œuvres transdisciplinaires entre chorégraphie, installation et arts visuels. Avec 6.58: Manifesto, elle livre un triple tour de piste à la fois puissant et accessible à tous·tes.
Quid de nos relations envers nous-mêmes et les autres quand l’artificialité prend insidieusement possession des esprits et des corps post-industriels ?
Quand nous disons « je », savons-nous vraiment de qui nous parlons ? Nos désirs sont-ils encore authentiques ?
Dans le manifeste dansé d’Andrea Peña, six robots humains très lookés vont s’émanciper de leur mécanique corporelle pour s’emparer d’une piste de rave, de valse et de séduction. Mais ils sont soumis aux impitoyables commandos d’une voix synthétique qui impose sa cadence en crescendo. Seul le chant d’une soprano les délivrera de leurs rituels obsédants et transformera la vulnérabilité en vertu.
Entre obsession et séduction, 6.58: Manifesto s’intéresse aux constructions d’identité dans la société contemporaine, où l’on renie son véritable moi au profit de représentations formatées. Forte d’un parcours en design industriel, l’artiste colombienne Andrea Peña, qui a fondé sa compagnie à Montréal, interroge nos relations complexes avec le jeu du paraître au quotidien, dans un monde de plus en plus dominé par la technologie. Dans cette création, elle met en danse son propre manifeste pour la vérité de l’être.
6.58: MANIFESTO - Video
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L-E-V | Sharon Eyal & Gai Behar
Into the Hairy
la Villette
Grande Halle du 12 au 14 avril, 2024
La chorégraphe israélienne Sharon Eyal poursuit son exploration des sentiments avec une nouvelle création pour sept interprètes, au son de l’electronica du jeune musicien anglais Koreless.
Avec Into the Hairy, Sharon Eyal poursuit un parcours entamé au début des années 90, sous les auspices de la Batsheva Dance Company, où elle fut interprète, directrice artistique associée et chorégraphe résidente. Soit dix-huit années d’une collaboration fructueuse, mais non exclusive, puisque marquée dès 2005 par un travail au long cours avec Gai Behar, complice et coauteur de dizaines de pièces depuis. Trois des plus récentes, OCD Love, Love Chapter 2 et The Brutal Journey of the Heart, exploraient la nature du sentiment amoureux, déployant un vocabulaire à la fois imprégné de la culture du clubbing et d’une technique classique assumée. Into the Hairy prolonge ce mouvement, en invitant le musicien Koreless, l’une des plus belles promesses de la scène électronique britannique. Sa musique affûtée, à la fois heurtée, concassée et fluide, entre en dialogue avec les mouvements des sept interprètes de la compagnie L-E-V, qui tire son nom du mot hébreu désignant le cœur, mais aussi la psyché. Un entre-deux où se déploient les pièces du tandem Eyal/Behar, entre émotion, sensualité et contrôle.
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CHTHULUCÈNE
MARCEL GBEFFA ET CLÉMENT DUTHOIT
Lavoir Moderne Parisien
SAMEDI 30 MARS - 15H
Le spectacle
Les rapports scientifiques sonnent aujourd’hui l’alarme : de nombreuses actions de l’Homme mettent en danger la vie sur la planète Terre. Aux défis écologiques s’ajoutent des tensions politiques, fragilisant la vie dans certaines zones géographiques. Les deux artistes viennent de deux univers très différents, et pourtant, dans Chthulucène, le nord, le sud, la musique et la danse se côtoient, se cherchent et se bousculent dans l’objectif de tendre vers l’harmonie. Les notes électriques de Clément Duthoit au saxophone et la danse aérienne de Marcel Gbeffa nous emportent dans un monde sans frontière et aux détails anachroniques, traversant les territoires au fil des mélodies et rythmes venus de multiples horizons. Le musicien et le danseur déroulent un parcours de quatre tableaux : Constat, Acceptation, Reconstruction, Apaisement. Dans Chthulucène, Marcel Gbeffa et Clément Duthoit font appel, lors de chaque représentation, à une dizaine de dan-seurs en formation. Après un atelier de transmission, les danseurs sont invités à parti-ciper au premier au dernier tableaux du spectacle, pour ainsi construire un écho entre la performance, le territoire visité et ses habitants.
Le mythe du Chthulucène
Le Chthulucène est un mythe formulé par la biologiste et philosophe des sciences Donna Haraway. Il répond à l’ère de l’Anthropocène par des récits mineurs et entremêlés émanant d’autres formes de vie. Son but est de réécrire l’histoire de l’évolution, dans une perspective de fabrication commune de la vie par toutes les communautés.
Ainsi, le Chthulucène de Haraway invite à rencontrer d’autres formes de vie : animaux non-humains, végétaux, champignons et bactéries.
Ces espèces sont « camarades » de l’humain, elles partagent avec lui des histoires de cohabitation et de sociabilité.
Le Chthulucène remet en cause la classification du vivant et le caractère exceptionnel de l’humain.
Chthulucene Work in progress Réservoir Danse 2023 - Video
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Benjamin Millepied & Nico Muhly / L.A. Dance Project
la Villette Avec la Philharmonie de Paris
du 29 au 31 mars 2024
|Création 2024
Retrouvailles au sommet entre le chorégraphe Benjamin Millepied et le compositeur Nico Muhly.
Complices de longue date, les deux artistes travaillent à une création inédite.
C’est une association au long cours, dont on sait déjà qu’elle marquera l’histoire des arts de ce début de siècle, entre deux créateurs liés par l’amitié et une même vision, ouverte et transversale.
Depuis vingt ans, le New-Yorkais Nico Muhly déploie ses talents de compositeur et arrangeur dans le vaste champ des musiques post-minimalistes, avec des opéras, des ballets, des pièces pour orchestre, ensemble de chambre ou choeur. Il est également familier des collaborations avec la frange la plus ambitieuse de la scène pop (Sufjan Stevens, Björk, Anohni).
Après un parcours étincelant de danseur au sein du New York City Ballet, Benjamin Millepied fonde L.A. Dance Project en 2011, compagnie avec laquelle il a depuis créé un grand nombre de pièces, saluées dans le monde entier. Le chorégraphe y tisse un dialogue entre le classicisme du ballet et les audaces de la danse contemporaine. Depuis leur rencontre en 2006, les deux artistes ont souvent travaillé ensemble, notamment pour les ballets Triade (2008) et Clear, Loud, Bright, Forward (2015) à l’Opéra national de Paris.
Très attendue, leur nouvelle création est l’un des événements de la saison.
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Arno Schuitemaker
30 appearances out of darkness
CENTQUATRE-PARIS,
mercredi 27 et jeudi 28 mars, 21h
dans le cadre du Festival Séquence Danse Paris
Dans une performance immersive, le chorégraphe néerlandais Arno
Schuitemaker
plonge huit interprètes dans l’obscurité.
Danse, lumière
et son orchestrent les apparitions et disparitions des corps.
Embrasser l’obscurité
pour déjouer l’inquiétude et la menace qu’elle
induit souvent, c’est ce à quoi invite 30 appearances out of darkness.
D’un espace noir, émergent des images, des corps et des mouvements à
peine éclairés, dont la lecture est d’autant plus enivrante qu’elle est
perturbée. Imaginée comme un monde avec sa propre gravité, la scène
absorbe chacun et chacune et se transforme progressivement en un lieu
de protection, d’espoir et de conquête.
Le dispositif lumineux et sonore imaginé pour la pièce invite à ressentir
autant qu’à voir la présence des interprètes, dont les corps nus sont
parfois saisis comme des silhouettes argentées ou des pures
incarnations d’énergie. Avec cette expérience presque hallucinatoire,
Arno Schuitemaker
poursuit un travail basé sur une approche immersive
de la danse, qui invite à exercer différemment son regard.
À l’image d’If You Could See Me Now,
présentée dans le cadre du Festival Séquence
Danse Paris 2023, la pièce est pensée comme un crescendo culminant
en une explosion d’énergie.
30 appearances out of darkness - Arno Schuitemaker - Video
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Golden Stage 2024
Événement hip-hop incontournable de La Villette, Golden Stage propose une sélection de trois
équipes chorégraphiques internationales. Une soirée en prise avec les courants qui traversent
la scène actuelle, animée par Rodrigue Lino, champion de France et vice-champion du monde
de breakdance.
la Villette
Grande Halle du 21 au 23 mars, 2024
LA STRUKTURE • Buck the World (extrait)
Les danseurs Cyborg et Wolf sont des précurseurs du krump en France. Après avoir chorégraphié de
nombreux clips, ils sont – en 2019 – les danseurs principaux des Indes galantes à l’Opéra national
de Paris. Aujourd’hui, le duo s’empare du vocabulaire krump pour forger sa propre écriture. Avec le
danseur Arrow, ils proposent un extrait de Buck the World, intense première pièce où les mouvements
sont poussés à leur paroxysme.
KARIM KHOUADER • Sales Mômes
Création 2024
Issu de la culture hip-hop new style, Karim Khouader a parcouru les grandes compétitions de danse
et affiné un style marqué par le cinéma et les clips. Pensé pour sept interprètes, ce spectacle conçu
comme un clip américain est porté par une bande-son et un jeu de lumières ultra-dynamiques.
THE RUGGEDS •
Decypher Chapter 8 (extrait)
Amis d’enfance, breakers d’exception rompus aux battles depuis 2005, les Néerlandais de The Ruggeds sont salués dans le monde entier pour leur dextérité. À quelques mois des Jeux olympiques, où des membres du collectif sont en lice pour la médaille d’or de breaking, The Ruggeds est déjà à Paris pour Golden Stage. Avec un chapitre de Decypher, création où se croisent danse, acrobatie, musique et théâtre. À couper le souffle.
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Ensemble chorégraphique du
Conservatoire de Danse de Paris
3 pièces : Lucinda Childs / Tamir Golan /
Hofesh Shechter
CENTQUATRE-PARIS,
12th - 13th, March 2024
complet
dans le cadre du
Festival Séquence Danse Paris
hors les murs - à l’Espace 1789, Saint-Ouen
Douze jeunes interprètes de l’Ensemble chorégraphique du
Conservatoir National Supérieur de Musique et de Danse de Paris
se
glissent dans les pas de grands noms de la danse contemporaine, entre
répertoire et création.
Au programme :
• Lucinda Childs - Concerto (1993)
• Tamir Golan - Cellophane (création 2024)
• Hofesh Shechter - tHE bAD (2021)
Lucinda Childs
Figure centrale de la danse post-moderne,
Lucinda Childs fait partie de cette génération
de chorégraphes ayant révolutionné la danse
par une déconstruction minutieuse de ses
codes spectaculaires dont la danse
contemporaine a hérité. Elle commence sa
carrière au début des années 1960 au sein du
Judson Dance Theatre, puis forme sa propre
compagnie en 1973. En 1976, elle prend part au
mythique Einstein on the Beach, opéra de Philip
Glass et Bob Wilson. Lucinda Childs a
chorégraphié plus de 30 oeuvres pour de
grandes compagnies de ballet et mis en scène
et chorégraphié plusieurs opéras :
Akhnaten
(Philip Glass), Orfeo ed Euridice (Gluck), Zaïde
(Mozart), Le Rossignol et OEdipus Rex
(Stravinsky), Farnace (Vivaldi), Dr. Atomic (John
Adams), Alessandro (Haendel), Atys (Lully),
Scylla et Glaucus (Jean-Marie Leclair).
En 1979,
elle chorégraphie Dance, une de ses pièces les
plus connues, sur une musique de Philip Glass
et un film de Sol LeWitt.
En 2016, l’exposition
Nothing Personal présente ses partitions
chorégraphiques à la galerie Thaddeus Ropac
en collaboration avec le Centre National de la
Danse à qui elle a fait don de ses archives. Elle
est commandeur de l’ordre des Arts et des
Lettres.
En 2017, elle reçoit le Lion d’Or de la
Biennale de Venise et le prix Samuel H. Scripps
American Dance Festival pour l’ensemble de
son oeuvre. Elle reçoit le prix DANCE Magazine
en décembre 2022.
Tamir Golan
Tamir Golan est diplômé de la Alon High School
for the Arts, en Israël.
En 2021, il participe à
«1|2|3», programme pour les chorégraphes
émergents au Centre Suzanne Dellal. Il y crée
un solo, un duo, un trio. Puis, il remporte le prix
Outstanding Creator pour sa création Oxytocin.
Entre 2019 et 2022, il danse avec le Avshalom
Pollak Dance Theatz. Il participe à plusieurs
festivals européens comme le Holland dance
festival à Den Hagg et le MILANoLTRE à Milan.
Tamir Golan a également été en résidence au
Quartier Am Hafen de Cologne, en coopération
avec le Suzanne Dellal Center.
Hofesh Shechter
Né à Jérusalem, Hofesh Shechter est un
danseur et chorégraphe israélien.
Formé à la
danse folklorique, puis à l’Académie Rubin de
danse et de musique de Jérusalem, il débute sa
carrière de danseur au sein de la Batsheva Dance Company, avant de travailler avec les
chorégraphes Wim Vandekeybus, Paul
Selwyn-Norton, Tero Saarinen et Inbal Pinto.
Il
s’installe à Londres en 2002, où il réalise sa
première pièce, Fragments (2003). Nommé
artiste résident en 2004 au Centre The Place à
Londres, il crée Cult (2004), Uprising (2006),
In your rooms (2007, Critic Dance Award).
En
2008 il fonde la Hofesh Shechter Company, installée en résidence au Brighton Dome. Il est
lui-même nommé artiste associé au
Sadler's Wells de Londres, ainsi que directeur invité du
Festival de Brighton.
Depuis, Hofesh Shechter
continue d’enrichir le répertoire de sa
compagnie de nouvelles créations qu’il
présente dans des tournées internationales :
The Choreographer’s Cut (2009), The Art of Not
Looking Back (2009), Political Mother (2010),
Survivor (2012), Sun (2013), Barbarians (2015),
Orphée et Eurydice de C.W. Gluck (2015), Grand
Finale (2017), Clowns et Show (2018). Il
chorégraphie également pour d’autres
compagnies de danse internationales, parmi
lesquelles le Royal Ballet, le Nederlands Dans
Theater 1, le Alvin Ailey Dance Theatre, le Cedar
Lake Contemporary Ballet, le Ballet de Bern et
l’Ensemble Batsheva. Enfin, il s’associe à des
projets pour le théâtre, la télévision ou l’opéra,
créant, entre autres, Two Boys, avec le
compositeur Nico Mulhy (2013) ou présentant
sa version d’Un violon sur le toit (2015).
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Marco da Silva Ferreira
C A R C A Ç A
CENTQUATRE-PARIS,
14th - 16th, March 2024
dans le cadre du Festival Séquence Danse Paris
Portés par une énergie phénoménale et une musique à haute densité percussive jouée sur scène, les dix interprètes du magistral ballet C A R C A Ç A associent gestuelle de club et mouvements hérités de danses folkloriques.
C’est un tourbillon qu’orchestre Marco da Silva Ferreira, où gestes, musique, lumières et costumes produisent de la dopamine à forte dose.
Le chorégraphe portugais déploie un vocabulaire inventif où les jeux de jambes du voguing et de la house coexistent avec des mouvements issus des danses folkloriques. Les dix interprètes entrent et sortent du plateau, variant les combinaisons chorégraphiques et changeant de costume à vue.
Déroulée en puissantes vagues guidées par un percussionniste et un musicien électronique, la danse est ici pensée comme un outil de recherche sur la communauté, la mémoire et la cristallisation culturelle. Pris dans un flux physique et intuitif, les interprètes forment un collectif en recherche d’une identité.
C A R C A Ç A donne une place à leurs histoires individuelles au sein d’une communauté neuve et inclusive.
C’est la quatrième pièce de Marco da Silva Ferreira que programme le CENTQUATRE-PARIS, après Fantasie Minor présenté au festival Séquence Danse Paris en 2023, Corpos de Baile en 2022 et Brother en 2017.
C A R C A Ç A - Marco da Silva Ferreira - Video
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Mazelfreten
Memento
la Villette
Grande Halle du 14 au 16 mars, 2024
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Portée par la vision généreuse des chorégraphes Brandon Masele et Laura Defretin, Memento orchestre les noces du hip-hop et de l’électro. Six danseuses et danseurs incarnent ce manifeste humaniste et positif.
Avant leur rencontre, Brandon « Miel » Masele et Laura « Nala » Defretin ont écumé les scènes du monde entier. Lui comme danseur électro, elle comme danseuse hip-hop. Le duo a puisé dans ces cultures et ces histoires différentes pour créer un langage commun, aujourd’hui au cœur de Memento. Leur quatrième pièce s’inscrit dans le prolongement du travail mené avec leur compagnie Mazelfreten, accompagnée à ses débuts par l’incubateur Initiatives d'Artistes en Danses Urbaines de La Villette. Cette création naît du mélange des gestuelles, mais aussi de la réaffirmation du rôle central que la danse et le partage tiennent dans leur vie. Avec deux danseurs électro et deux danseuses hip-hop, les chorégraphes y suivent dix « règles de vie » qui oscillent entre paroles de sagesse et traits d’humeur. Volumes du mapping vidéo, lumières tout en contrastes et musique originale – entre électronique et acoustique – forment l’écrin de ce manifeste intime et ouvert au monde.
Création 2023
Chorégraphes Laura « Nala » Defretin, Brandon « Miel » Masele Interprètes Laura Nala, Miel, Filipe, Myax, Motoko, Joyce
Création lumière Judith Leray Création musicale Nikit, KCIV
MAZELFRETEN I MEMENTO Rehearsal week 3 - Video
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Naïf Production
Gravitropie
(une somme de désordres possibles)
Pièce chorégraphique pour cinq interprètes-acrobates, Gravitropie (une somme de désordres possibles) met la résistance et la solidarité au défi de la rotation du sol. L’injonction au mouvement contraint à faire corps.
Dans une pénombre qui se dissipe peu à peu, cinq corps se déplacent d’abord ensemble et au plus près du sol. Bientôt, le plateau se met à tourner comme un large disque vinyle et les oblige à toutes les agilités. Par un jeu d’éclairage simple mais ingénieux, la scène apparaît tantôt comme un espace infini à arpenter sans relâche, tantôt comme une spirale où les obstacles reviennent sitôt franchis.
En imposant un mouvement collectif, Gravitropie (Une somme de désordres possibles) joue sur la nécessaire solidarité du groupe pour tenir en un point précis, tenir une verticale, tenir sans succomber à l’adversité, à l’usure, à la déformation du temps et des choses. Après Des Gens qui dansent (Petite histoire des quantités négligeables) présenté au CENTQUATRE-PARIS en 2019, le trio Naïf Production poursuit son travail autour des motifs du déséquilibre, de la résistance et de l’effort.
Gravitropie - Naif Production - Video
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Olga Pericet
La Leona
chaillot théâtre national da la danse
Salle Firmin Gémier 02 - feb 03 , 2024
La Leona Olga Pericet Photo: Paco Villalta
« La Leona » (La Lionne), c’est à la fois la femelle animale et une guitare-prototype d’Antonio De Torres, père fondateur de la guitare classique moderne et dieu du flamenco. Olga Pericet fait dialoguer ces deux lionnes dans un spectacle de flamenco intime et sauvage, accompagnée de cinq musiciens.
Elle est féline et fragile. Féminine et masculine. Nourrie
de la tradition et prête à toutes les audaces. Depuis
plusieurs années, Olga Pericet illumine de son talent les scènes du monde entier. À sa parfaite maîtrise technique
elle ajoute une présence incandescente et un geste inventif,
en harmonie avec les thèmes qu’elle aborde.
Dans ce spectacle, créé en 2022 à la Biennale de Séville,
elle sonde la poésie et les mystères d’Antonio de Torres.
Ce célèbre musicien et luthier sévillan fut en 1852 l’inventeur
de la guitare espagnole moderne.
À l’image de cet
instrument, surnommé la lionne («la leona»), le corps
de la danseuse devient le support d’un vibrant voyage
au cœur de la création. Se débarrassant progressivement
de tous les artifices, la jeune femme se met à nu.
Son interprétation ardente, soutenue par un quintet
de musiciens et chanteur à l’unisson, revient à la source pure
du flamenco. Le nom du fameux prototype qui donne son
titre à la pièce semble fait sur mesure pour elle.
Olga Pericet - "La Leona" - Video
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LES SOULIERS ROUGES
Salle Pleyel
vendredi 09 à dimanche 11 février 2024
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Après sa création aux FOLIES BERGÈRE en 2020, le spectacle de Marc Lavoine et Fabrice Aboulker « Les Souliers Rouges » inspiré du conte de Hans Andersen
sera de retour le 9, 10 & 11 Février 2024 à Paris – Salle Pleyel et en tournée dans toute la France
Mise en scène de Jérémie Lippmann
Chorégraphie de Tamara Fernando
L’histoire
L’histoire débute comme un conte de fées, celui d’Andersen, Les Souliers Rouges.
Des chaussons magiques et maudits qui permettent à Isabelle de devenir une étoile si elle renonce à l’amour.
Une féerie musicale pour toute la famille.
LES SOULIERS ROUGES TRAILER PLEYEL 2024 - Video
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David Coria
Los Bailes Robados
chaillot théâtre national da la danse
Salle Firmin Gémier 30 - 31 janvier, 2024
Los Bailes Roblados David Coria Photo:Ana Palma
Pour cette nouvelle pièce, David Coria s’entoure d’un casting d’excellence :
David et Alfredo Lagos au chant et guitare, Isidora O’Ryan au chant et violoncelle. Quant aux danseurs, ce sont Aitana Rousseau (qui alterne avec Paula Comitre), Florencia Oz, Rafael Ramírez, Marta Gálvez et lui-même qui portent ce spectacle sur l’exutoire social de la danse et du chant, tant de fois réprimés, censurés et pourtant toujours présents.
Danser pour exorciser les souffrances. Pour dénoncer l’asservissement et crier la liberté. Danser pour exister.
C’est ce qui firent à Strasbourg et ailleurs, à plusieurs reprises dans histoire, des femmes et des hommes saisis par une frénétique dansomanie collective. Lors de ces épisodes demeurés inexpliqués, leurs désarticulations incontrôlées exprimaient haut et fort ce que leurs mots d’opprimés ne pouvaient pas dire, estime David Coria. À leur exemple, le chorégraphe andalou invite la fine fleur de la scène flamenca - Aitana Rousseau, Florencia Oz, Marta Gálvez et Rafael Ramírez - à une danse libératrice et rebelle. Sa création chorale porte avec fougue une revendication politique et sociale pour tous ceux - la sorcière, le fou, le différent – qui, aujourd’hui encore, sont tenus dans les marges. Les interprètes, soutenus par le talent de musiciens hors pair, passent de l’hystérie à l’harmonie, du mouvement à l’immobilité.
Et invitent chacun à « faire un pas de deux avec la vie ».
David Coria - "Los Bailes Robados" - Video
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HIDDEN PARADISE
ALIX DUFRESNE & MARC BÉLAND
THÉÂTRE SILVIA MONFORT
DATE(S) : du 17 janvier 2024 au 28 janvier 2024
HORAIRE(S) : du mardi au vendredi à 19h30
le samedi à 20h
le dimanche à 16h
Sur Radio-Canada Première, le 9 février 2015, la journaliste Marie-France Bazzo s’entretient avec le philosophe Alain Deneault sur l’évasion fiscale.
Indignés par ce qu’ils entendent, Alix Dufresne et Marc Béland se révoltent dans une chorégraphie virulente et ludique, réinterprétant à leur façon ce pamphlet radiophonique.
Une danse-gymnastique haletante, absurde, farfelue, accompagne le documentaire sonore afin de faire ressentir aux spectateurs au plus profond de leur chair les conséquences directes d’un système qui nous affecte tous.
Porté par la virtuosité des créateurs, l’exercice se double d’une puissante réflexion sur la déresponsabilisation des gouvernements. Répété à toute vitesse, étiré, tronqué ou distorsionné, le verbatim devenu spectacle expose la grande arnaque que constitue l’escroquerie légalisée des paradis fiscaux.
Clowns lucides, Alix Dufresne et Marc Béland traduisent parfaitement la rage et l’impuissance des citoyens.
Eden pour quelques uns, enfer pour tous les autres.
HIDDEN PARADISE de Marc Béland + Alix Dufresne - Video
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Héla Fattoumi / Éric Lamoureux
TOUT-MOUN
chaillot théâtre national da la danse
Salle Firmin Gémier 10 - 12 janvier, 2024
TOUT-MOUN Hela Fattoumi - Eric Lamoureux Photo: Laurent Philippe
Avec dix danseurs et un saxophoniste sur scène, les chorégraphes Héla Fattoumi et Éric Lamoureux imaginent une scénographie vidéo surprenante dans laquelle les interprètes disparaissent et réapparaissent dans un virevoltant ballet.
TOUT-MOUN, qui signifie en créole « chacun et tout le monde », a pour point de départ les écrits d’Édouard Glissant autour de la « créolisation : totalité réalisée du monde-terre ».
Héla Fattoumi / Éric Lamoureux - TOUT-MOUN - Video
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ART MOVE CONCEPT
SORIA REM
& MEHDI OUACHEK
Aljism
La Maison des Arts de Créteil
PETITE SALLE
TOUT PUBLIC :
Durée 1H15
ma 16, me 17 janv à 20h
je 18 janv à 19h30
FAMILLE :
me 17 à 14h30
SCOLAIRE :
je 18 à 14h30
Soria Rem et Mehdi Ouachek, les deux directeurs artistiques de la compagnie ont su au fil des années imposer une danse qui leur est propre, se renouvelant constamment, surprenant par leur ingéniosité à mettre en scène le mouvement.
Pluridisciplinaire, la compagnie est aujourd’hui à l’image du couple de chorégraphes avec une écriture unique et un savoir faire innovant.
Aljism, « les corps » en arabe, est une satire faisant état des différences et des barrières existantes au sein même du monde artistique. Tout au long de leurs carrières, danseurs et chorégraphes ont été confrontés à diverses expériences artistiques. Les différences de représentations et de conceptions existantes entre les disciplines ont souvent fait l’objet, entre artistes, d’admiration ou de déni, ce qui fut le théâtre de situations parfois tendues, souvent burlesques et poétiques. Pour autant, les plafonds de verres hiérarchisant de manière grotesque les individus dans le monde artistique sont encore présents, et souvent soumis à nombre de clichés, de préjugés ou de certitudes. À travers une satire chorégraphique, Soria Rem & Mehdi Ouachek mettent en exergue ces divergences par le biais de la danse, poétisant ainsi le ridicule dans une performance du mouvement.
Art Move Concept
ALJISM - Video **************************************************************************************************************************************************************************************************************************************
KADER ATTOU
LE MURMURE DES SONGES
La Maison des Arts de Créteil
MERCREDI 13 DÉCEMBRE À 20H
SCOLAIRES LES 12, 14, 18, 21, 22 DÉCEMBRE À 10H & 14H30
LE 19 DÉCEMBRE À 14H30
Kader Attou ouvre pour la première fois son répertoire au monde de l’enfance avec Le Murmure des songes.
Il poursuit une démarche de métissage et combine les écritures chorégraphiques pour redonner vie à des souvenirs, des odeurs, des objets enfouis dans nos mémoires émotionnelles. Pensé pour cinq danseurs de la compagnie Accrorap, qu'il a créée en 1989, le spectacle s’appuie sur la création vidéo du réalisateur Claudio Cavallari, célébré pour ses fresques vivantes.
Il sollicite également la création musicale de Régis Baillet, qui officiait déjà à celle de The Roots, Un break à Mozart, Danser Casa, Allegria ou encore Les Autres.
Enfin, il fait appel aux illustrations de Jessie Désolée et de son imaginaire peuplé de monstres, de plantes et d’animaux fantastiques.
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"L'ENTRE DEUX"
Merlin Nyakam
CIE LA CALEBASSE
La Maison des Arts de Créteil — PETITE SALLE
Danse, Création, TOUT PUBLIC :
Durée 1H
du 17 - 18 novembre 2023
création à la MAC
Le baobab représente le lien entre le ciel et la terre, entre le visible et l’invisible. Il symbolise la vie, la mort, ce qui dure et ce qui passe.
De l’arbre au tambour, du rythme à l’unisson, du deuil à la consolation.
Le Nkùl, est un grand tambour sculpté dans un tronc d’arbre.
Il communique avec l’au-delà et accompagne les cérémonies de passage du défunt dans de nombreuses ethnies du Cameroun.
Soutenue par un rythme irrésistible, très populaire au Cameroun, cette célébration de deuil donne pourtant lieu à de nombreuses fantaisies burlesques. On plaisante sur la vie du défunt et on rit beaucoup. C’est avec cette désinvolture qu’on accepte la mort comme un passage, une métamorphose. C’est le chemin de la consolation : accepter d’abandonner une forme pour nous tourner vers notre devenir.
Héritier d’une spiritualité africaine, Merlin Nyakam propose un théâtre global dansé, chanté et joué par sept danseurs et trois musiciens (percussions et n’goni).
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Représentation d’extraits choisis du répertoire classique de l’opéra de Pékin
CENTRE CULTUREL DE CHINE
Lundi 27 novembre 2023 à 19h15
Centre culturel de Chine à Paris
1, boulevard de la Tour-Maubourg
75007 Paris
Ce spectacle, préparé avec soin par des acteurs professionnels de l'Académie nationale du théâtre de Chine, présente une sélection d'extraits de trois pièces traditionnelles de l'opéra de Pékin. En une heure, plongez dans l'opéra de Pékin et découvrez la beauté unique des classiques de cet art.
Programme
19h15 Visite en avant-première de l’exposition Art scénographique de splendeur théâtrale
20h00-21h00 Spectacle : représentation exceptionnelle d’extraits choisis de l’opéra de Pékin par les artistes interprètes de l’Académie nationale du théâtre de Chine
1. « Fuite nocturne de Lin Chong » Lin Chong/Wang Hao
Pièce traditionnelle mettant en scène un héros guerrier, inspirée de « Au bord de l'eau », décrivant les expériences de Lin Chong en fuite vers le mont Liang après avoir été persécuté par Gao Qiu.
2. « Concubine impériale ivre » Concubine/Na Xinyu
Un morceau emblématique de l'opéra de Pékin décrivant l'attente anxieuse de la concubine impériale Yang face à la non-arrivée de l'Empereur Tang Minghuang, exprimant un mélange de honte et de colère.
3. « Ramasser le bracelet de jade » Sun Yujiao/Zhang Yanhong ; Fu Peng/Zhang Wei ; Liu Meipo/Jiao Jingge
Une pièce traditionnelle de comédie populaire décrivant la rencontre fortuite de la jeune fille Sun Yujiao avec Fu Peng. Les deux tombent amoureux, et Fu Peng laisse délibérément tomber un bracelet en jade devant sa porte, qu'elle ramasse pour exprimer son acceptation des sentiments de Fu Peng. Les souhaits des deux amoureux sont découverts par l'entremetteuse Liu, qui s'emploie à les aider à concrétiser leur
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ADSURBE
Oups Dance Company
La Maison des Arts de Créteil — PETITE SALLE
Danse, Création, TOUT PUBLIC :
Durée 50'
du 28 - 29 novembre 2023
Oups Dance Company - Web Page
ADSURBE c’est l’histoire de vie de deux personnages qui vont s’émanciper de leurs croyances, repousser leurs barrières mentales et physiques pour flirter avec la sensation de liberté et de hors limite.
C’est une création inspirée de multiples témoignages de vie de personnes ayant vaincu la maladie et de patients handicapés, amputés et grands brûlés du centre de réadaptation de Coubert.
C’est enfin et surtout un hymne à la vie, une invitation à vivre sans se prendre trop au sérieux, sans se mettre trop de limites, car on ne sait jamais de quoi demain sera fait !
Les deux danseuses et chorégraphes s’attaquent à l’Absurde avec un grand A, celui qui « naît de la confrontation entre le questionnement humain et le silence déraisonnable du monde », selon les mots d’Albert Camus. Une affaire de taille puisque de la perte de sens naît la révolte et que dans la révolte naît la liberté, la seule la vraie, celle de l’être humain enfin livré à lui-même dans un monde où le sol des convictions s’est dérobé.
Toutes les expériences, toutes les angoisses, toutes les légèretés, toutes les tentatives, tous les dépassements deviennent alors possibles.
Entre existentialisme, exploits physiques et comédie burlesque, elles s’emparent sans ambage du terrain de jeu ainsi ouvert et se livrent à l’ivresse et au plaisir de la danse pour elle-même.
Direction artistique / Chorégraphie / Mise en scène / Interprètes: Emilie Joneau & Clémence Juglet
Composition: Leon Afterbeat
Lumières: Fabrice Sarcy
Scénographie: Caroline De Pommereau
Costumes: Clarisse Brillouët
Adsurbe - OUPS Dance Company - Création 13 janvier 2023 à la Scène Nationale de Blois - Video
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Trajal Harrell
The Romeo
La Villette - Grande Halle
Danse, Création, Festival d'Automne à Paris
du 7 au 9 décembre 2023
Trajal Harrell - The Romeo Photo: Orpheas Emirzas
|Création 2023 - Festival d'Avignon, Cour d'honneur
La résilience collective par la danse, c’est le beau programme de Trajal Harrell dans The Romeo. Inspiré par le personnage shakespearien, usant de son vocabulaire hybride, le chorégraphe donne corps à une utopie. Une création présentée dans la Cour d’honneur pour la 77e édition du Festival d’Avignon.
Et si le Roméo était une danse ? Elle emprunte son nom au jeune amant imaginé par Shakespeare, qui croyait pouvoir vaincre la mort. Comme lui, cette danse serait connue dans le monde entier, bien que personne ne sache quand et où elle a été créée. Ses origines sont rurales et pastorales et elle se pratique à plusieurs. C’est la danse de celles et ceux qui, malmenés pas la vie, ont décidé de tout envoyer valser. Née du tumulte et de la tragédie, elle est le témoignage de leur résilience collective. C’est cette étincelle de résistance, transmise de génération en génération, qui enflamme la nouvelle création de Trajal Harrell. Avec son vocabulaire inspiré du voguing, le chorégraphe new-yorkais imagine cette danse qui anime des personnes de tous horizons quand elles laissent leurs tragédies derrière elles.
Avec Chaillot - Théâtre national de la Danse
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VIVARTA
Danse Kathak
Musée du Quai Branly Jacques Chirac
Théâtre Claude Lévi-Strauss
Danse,
Le samedi 09 décembre 2023 de 15:00 à 16:00
Le samedi 09 décembre 2023 de 18:30 à 19:30
Le dimanche 10 décembre 2023 de 17:00 à 18:00
À l’occasion de l’exposition Bollywood Superstars.
Histoire d’un cinéma indien, le musée vous invite à découvrir la danse kathak du Gujarat.
Kumudini Lakhia, fondatrice du Kadamb Centre for Dance d’Ahmedabad, est une des premières danseuses de kathak à pousser les formes de son art au-delà des limites habituelles.
En s’appuyant sur les qualités rythmiques et percussives du kathak, elle choisit de mener un chemin de création en émancipant la danse des thèmes mythologiques traditionnels.
Le spectacle Vivarta, qui réunit sur scène dix danseuses et danseurs, est un hommage à cette danse classique du nord de l’Inde. À travers une dizaine de chorégraphies sublimées par des costumes éblouissants, la compagnie Kadamb propose un voyage virtuose et réjouissant.
Kadamb Centre for Dance - Ahmedabad
Danseurs; Mukesh Gangani, Abhishek Khichi
Danseuses: Aarna Chaitanya Desai, Natasha, Parekh,
Mansi Modi Modi, Mitali Dhruva, Parita Kalpesh Patel,
Vaishnavi Apurva Vakil, Rupanshi Kashyap Thakrar, Nirzari Vyas
VIVARTA - Video
Vivarta, danse kathak | spectacle le 10.12.2023 - Video
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Trajal Harrell with Schauspielhaus Zürich Dance Ensemble
« Tambourines »
Centre Pompidou
salle, level -1
Danse,
du 23 au 25 novembre 2023
Tambourines de Trajal Harrell Photo: Orpheas Emirzas
After Antigone Sr. / Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (L) and The Ghost of Montpellier Meets the Samurai, manifestos of hybridity as a choreographic process presented in 2013 and 2015 at the Centre Pompidou with the Autumn Festival, Trajal Harrell explores the power of dance in order to rewrite literature in Tambourines.
The New York choreographer’s latest work is based on The Scarlet Letter: A Romance by Nathaniel Hawthorne, which was published in 1850 but set in the mid-17th century in Massachusetts. A North American classic, the novel is about the misfortunes of Hester Prynne, who was forced to have the letter “A” embroidered on her clothes because she had a child with a man to whom she was not married. The story illustrates every aspect of the patriarchal rule over women: control of the freedom of the body through guilt and punishment by public humiliation. By celebrating movement and pride in the body, Trajal Harrell and the dancers of Schauspielhaus Zürich Dance Ensemble offer redemption to the character of Hester Prynne by giving a different ending to her story.
With the the Festival d'automne à Paris - Portrait - Trajal Harrell
Direction, choreography, set, costumes, soundtrack: Trajal Harrell
Performers: New Kyd, Trajal Harrell, Perle Palombe, Songhay Toldon, Ondrej Vidlar
Communicators-Assistants: Frances Chiaverini, Vânia Doutel Vaz, Stephen Thompson
Lighting: Sylvain Rausa
Dramaturgy: Katinka Deecke
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Laura Bachman
Ne me touchez pas
la Villette
Grande Halle
Danse, Musique, Tout public, Création
du 16 au 18 novembre 2023
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Ne me touchez pas - Laura Bachman - Photo: Christophe Manquillet
En explorant les différents enjeux du toucher, la chorégraphe Laura Bachman dessine une histoire des corps.
Elle danse Ne me touchez pas avec Marion Barbeau, en complicité avec les musiciens Vincent Peirani et Michele Rabbia.
Avant la pandémie, la rencontre des peaux et des corps allait de soi. Mais avec la prescription des contacts rapprochés, le toucher a pris une autre dimension.
Ce constat nourrit la pièce de la chorégraphe Laura Bachman (repérée comme interprète d’Anne Teresa De Keersmaeker ou Benjamin Millepied), une exploration du toucher sous toutes ses formes : outil de découverte, de réconfort, de plaisir, de violence, de solidarité ou d’analyse.
En duo avec Marion Barbeau (première danseuse du ballet de l’Opéra de Paris et interprète du film En corps de Cédric Klapisch), elle rend visible le toucher, son absence comme l’énergie qu’il crée entre deux corps. Elle évoque aussi sa place dans nos cultures et nos sociétés, au fil d’une conversation en mouvement, à laquelle se joignent l’accordéoniste Vincent Peirani et le percussionniste Michele Rabbia.
Une invitation à voyager dans un monde où les corps conversent, s’approchent, se cherchent, se méprennent ou s’entendent.
Ne me touchez pas - Laura Bachman - Video
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Compagnie DCA / Philippe Decouflé
Stéréo
la Villette
Espace Chapiteaux
Danse, Musique, Tout public
du 4 au 22 octobre 2023
Création 2022
L’énergie du rock en Stéréo, injectée par Philippe Decouflé dans une nouvelle création détonante.
Guitare, basse, batterie : une décharge électrique qui traverse les corps de sept jeunes interprètes.
C’est une forme hybride entre concert et spectacle qu’a imaginée le chorégraphe Philippe Decouflé avec Stéréo.
En fond de scène, un trio rock – guitare, basse et batterie – déroule une setlist de rêve, qui réunit les Beatles, T. Rex, les Beach Boys et une belle grappe de compositions originales. Devant lui, gagnés par cette énergie à jamais juvénile, les sept danseurs et danseuses déploient des trésors d’inventivité pour suivre le rythme, au fil d’une écriture qui s’inspire autant du punk que du cinéma et du cirque.
Épaulé par une équipe en or (aux costumes notamment, avec une garde-robe spectaculaire) et fidèle à son style généreux et kaléidoscopique, Philippe Decouflé multiplie les trouvailles visuelles et ludiques. C’est tout un imaginaire collectif qui est ici revisité et revitalisé avec une fougue jubilatoire.
Une parfaite traduction physique de la musique, avec le plaisir pour seul guide.
Compagnie DCA / Philippe Decouflé - Video
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Paris - Past Events in 2023:
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A BIG BIG ROOM FULL OF EVERYBODY'S HOPE
/ COCONUT EFFECT
Les Abbesses
FOCUS JEUNES CRÉATEURS #1 DANSE ÉLARGIE
07 - 08 sept. 2023
DEUX CHORÉGRAPHES DE L’ÉDITION 2022, REVIENNENT AVEC DES CRÉATIONS D’UNE GRANDE MAÎTRISE.
Comment apprendre à vivre avec ce qui nous hante? Amit Noy affronte les répercussions des drames de l’histoire et de la vie sur trois générations de sa famille. Dans une pièce construite en trois actes, introduite par les propos étonnamment subversifs de sa grand-mère, le chorégraphe réinterprète le ballet Agon de Georges Balanchine, tandis que sa jeune soeur chante le combat quotidien contre ses troubles obsessionnels dans une parodie musicale décapante.
Dans Coconut Effect de Ioanna Paraskevopoulou, objets et gestes produisent des sons, comme pour illustrer acoustiquement des images d’archives cinématographiques. La chorégraphe grecque, également remarquée comme danseuse chez Christos Papadopoulos et Dimitris Papaioannou entre autres, adapte ici le trio d’origine en une pièce d’ensemble ingénieuse et pleine d’humour, interprétée par un groupe d’étudiants du Conservatoire.
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CONTEMPORARY DANCE 2.0
FESTIVAL DE LA PLACE
Place du Châtelet
Hofesh Shechter
09 - 10 sept. 2023
Artiste associé à la saison du Théâtre de la Ville, Hofesh Shechter
engage sa compagnie dans l’espace public alors qu’en studio se prépare une transmission de cinq extraits de ces pièces pour les élèves des Conservatoires.
Une pièce fulgurante, où les fameux millennials, nés au début du nouveau siècle, expriment leurs joies et leurs obsessions.
En mettant en scène la danse des clubs sur des rythmes répétitifs et exaltants,
Hofesh Shechter fait entrer une part de réel où la jeunesse danse pour s’élever au-dessus du quotidien, à la recherche d’une expression cérémoniale.
Totalement libres, parfois un brin sauvages, ils offrent leurs vérités de corps et d’esprit à une explosion cinétique d’une grande sophistication.
Hofesh Shechter Company
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CLAMEURS / RIVE
Les Abbesses
FOCUS JEUNES CHORÉGRAPHES #2 FOCUS JEUNES CHORÉGRAPHES DANSE ÉLARGIE
11 - 12 sept. 2023
ENTRE DEUX ANCIENS LAURÉATS,
UN JEU DE MIROIRS AUTOUR DU RYTHME ET DU LIEN À LA COMMUNAUTÉ.
Pour Mithkal Alzghair, réfugié politique en France et poète sismographe du corps en transition, chaque mouvement vaut prise de position.
Il se laisse ici traverser par les souvenirs, les espoirs et le désir de légèreté des migrants, face au pouvoir, aux lois et à la guerre.
Et pose la question: dans quel état l’humain passe-t-il d’une condition de vie à l’autre, à ce point opposée?
Clameurs - Mithkal Alzghair - Video
Dalila Belaza part du pas de bourrée, avec le rythme comme fil rouge. C’est à partir de son travail précédent –
Au Coeur, avec un ensemble traditionnel aveyronnais – qu’elle questionne ici altérités et états de transcendance,
dans une intensité tellurique hors du temps,
où dix interprètes rêvent de cérémonies libres et de fusions entre mondes antagonistes.
Rive - Dalila Belaza - Video
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SPECTACLE / DANSE • NOMADICS
ESPACE CARDIN
LISBETH GRUWEZ & MAARTEN VAN CAUWENBERGHE
16 - 17 sept. 2023
AVEC DEUX VERSIONS DU SPECTACLE ET, POUR LES VOLONTAIRES, UNE MARCHE PARTICIPATIVE, NOMADICS ÉLARGIT LES ESPACES ET DONNE UNE VOIX À LA NATURE.
La nouvelle représentation de Voetvolk, Nomadics, est l'occasion pour sept danseurs d'explorer la façon dont ils peuvent donner à la nature la possibilité de s'exprimer. La nature constitue l'endroit par excellence pour se détendre, mais que lui offrons-nous en retour ? Les artistes dépeignent la manière dont la nature observe les humains, et subit leurs empreintes. Ils personnifient la façon dont la nature revendique sa place, et réplique à l'homme, et ce, sur la base d'une fantaisie inadéquate - parce qu'humaine - mais aussi contagieuse et sinistre.
Nomadics propose aux danseurs de se muer en un paysage frénétique (éphémère). Les danseurs représentent le paysage et le chemin parcouru, tantôt des arbres, tantôt de l'herbe, mais aussi des rochers, voire des êtres humains. Cette transformation permanente est source de beauté, mais aussi de friction : il y a de la tension dans l'air. Toutefois, comme nous l'enseigne la physique, les frottements finissent par produire de la chaleur, entraîner un ralentissement ou un changement. Autre exemple : tout au long de leur combat, les danseurs de Nomadics recherchent la cohésion, tant avec la nature qu'entre eux. La musique est en symbiose étroite avec la danse, comme c'est toujours le cas dans les spectacles de Voetvolk. Lors de ses promenades, Maarten Van Cauwenberghe a enregistré des sons - des bruits de pas, le son de l'eau, du vent dans les arbres, des autoroutes, etc. - et a ainsi produit de la techno environnementale à partir de ces sons.
Avant la représentation, les danseurs effectuent une randonnée de plusieurs kilomètres. À cet égard, le public est chaleureusement et librement invité à marcher avec eux. Les danseurs arrivent à un endroit déterminé et à une heure convenue, et embarquent les spectateurs pour un périple au cours duquel ils se concentrent sur l'observation, l'expérience et la connexion avec le paysage. Ainsi, le groupe part de l'agitation de la ville, se fraie ensuite littéralement un chemin hors du bruit et des stimuli urbains, afin de poursuivre la promenade en direction de la quiétude de la campagne et de la nature. Ensuite, ils rejoignent à nouveau l'agitation urbaine. Ce périple se termine sur la scène, où les chemins se séparent à nouveau. La représentation peut alors commencer. Toutefois, l'expérience ainsi vécue revient sous une forme intensifiée.
Th. H.
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Gisèle Vienne
L'Étang
Chaillot théâtre national de la danse
Danse, Tout public, Salle Firmin Gémier
du 22 au 29 septembre 2023
à partir de 12€
durée : 1hr25
Partant d’une pièce tragique de Robert Walser sur un amour filial absolu, Gisèle Vienne, artiste associée, réunit Adèle Haenel et Julie Shanahan (interprète de Pina Bausch). La tension est palpable à tous les niveaux de ce spectacle qui joue avec les repères traditionnels du dialogue et de la relation inter personnages pour questionner les repères familiaux et sociaux.
L’Étang est un drame familial, texte privé offert par le jeune Robert Walser (1878-1956) à sa sœur, l’unique qu’il écrira jamais en suisse-allemand.
C’est l’histoire d’un enfant qui, se sentant mal aimé par sa mère et au comble du désespoir, simule un suicide pour vérifier l’amour qu’elle lui porte. Qu’est-ce qui se joue ici entre les lignes et sur scène ? Quelles sont les différentes strates qui composent notre perception, notre compréhension et nos échanges ?
Ces questionnements – depuis longtemps au cœur du travail de Gisèle Vienne – nourrissent un dispositif scénique où Adèle Haenel et Julie Shanahan incarnent respectivement un et deux personnages, tout en prêtant leurs voix aux autres, figurés par quinze poupées. Sur le plateau, coexistent plusieurs niveaux de perceptions de la réalité et de la temporalité. Violence de la lenteur, saturation des couleurs, déflagrations musicales et sonores, L’Étang est une expérience sensorielle, où voix, mots, pensées, intentions, personnages et comédiennes semblent batailler et jouer chacun une partition différente. Interrogeant ainsi les conventions du théâtre et de la famille.
Vincent Théval
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PORTRAIT
Mehdi Kerkouche
CCN Créteil et du Val-de-Marne
29 - 30 sept. 2023
Neuf danseurs à la personnalité foisonnante donnent vie à un portrait de famille touchant et vivifiant sous la houlette de
Mehdi Kerkouche.
Le chorégraphe choisit le sujet de l’héritage familial comme matière chorégraphique.
C’est par les corps électrisés d’une tribu de danseurs venus d’horizons variés qu’il nous en livre sa version. Famille heureuse, embarrassante, toxique, absente… Comment s’en extraire ou au contraire s’y réfugier ? Comment affirmer son individualité au sein d’une famille que l’on n’a pas choisie ? Les liens évoluent, les personnalités détonnent au fil des séquences, de manière isolée, en duo ou dans des partitions d’ensemble et au rythme de la musique organique de
Lucie Antunes.
Ce portrait, aux allures d’exploration entre l’image du cadre et les liens qu’on nous impose, donne à voir une photo de famille contemporaine au travers d’une mosaïque de tempéraments et d’énergies.
“ Dans mes deux précédents travaux, j’explorais le groupe sous différentes formes.
D’abord dans DABKEH
à travers le détournement de cette danse traditionnelle où à travers un spectre contemporain, les danseurs mettent en danger l’équilibre du collectif en perdant et recréant les connexions puis dans ET SI pour le Ballet national de l’Opéra de Paris où il est question de survie, la meute s’appuie, se soutient et s’accompagne dans un voyage épique. Dans PORTRAIT, je souhaite continuer mes recherches sur le collectif, d’abord en explorant les liens qu’on nous impose, que l’on se crée puis l’image du cadre.
La filiation, ce que l’on ne choisit pas et qui doit malgré tout co-exister, co-habiter.
Est-il si évident de se construire et de garder le lien avec ce qui nous est imposé ? Comment survit-on lorsque ce lien de filiation est coupé ? Peut-on survivre sans ces modèles avec lesquels nous nous sommes construits ? Comment exister dans un groupe, libérer son identité, sa personnalité précédemment enfouie, refoulée, désincarnée, pour se diriger vers une libation du mouvement et du corps emprisonné par un cadre trop défini ?
« Portrait », Mehdi Kerkouche, CCN de Créteil et du Val-de-Marne. Photographie Julien Benhamou.
Plongé dans un portrait de famille en noir et blanc, le spectateur observe d’abord le tableau et fantasme sur ce que nous imaginons tous à la première observation, le groupe semble si uni, si connecté, comment leurs vies ne pourraient pas être un long fleuve tranquille…
Avant que le tableau ne s’anime et révèle la réalité de nos personnages, découvrir que derrière le cadre, tous vivent les mêmes aléas de la vie, les joies, les peines, pertes et les plaisirs. ”
Portrait - Mehdi Kerkouche - Video
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Pina Bausch |Tanztheater Wuppertal
DA Boris Charmatz - "Café Müller"
la Villette
Danse, Tout public, Théâtre de la Ville
du 6 au 12 juillet 2023
Grande Halle
à partir de 26€
durée : 50 min
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Cafe Muller Photo: Bettina Stob
Présentation
Café Müller créé en 1978, est le chef-d’œuvre fondateur du Tanztheater de Pina Bausch, l’une des plus importantes figures artistiques du XXe siècle.
La scène jonchée de chaises et de guéridons évoque une salle de café laissée à l’abandon. Une femme avance, yeux clos et bras tendus, se cogne et tombe. Un homme lui fraye un chemin en déblayant les chaises. Une autre femme traverse l’espace encombré puis disparaît. La Lamentation de Didon d’Henry Purcell s’élève. Ainsi débute Café Müller en une danse essentielle et sublime qui raconte le désir et la solitude. Les six interprètes se cherchent, s’attrapent tour à tour avec violence ou tendresse mais toujours en vain. Ponctuée de silences et du fracas des chaises entrechoquées, la musique porte la fluidité des corps à des sommets d’émotion.
Avec le Théâtre de La Ville
Pina Bausch & Tanztheater Wuppertal • Café Müller - Video
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L'Histoire de Manon
Kenneth MacMillan
Palais Garnier - from 20 June to 15 July 2023
Inspired by Abbé Prévost’s mythical heroes, in L'histoire de Manon Kenneth MacMillan expresses his fascination for dramatic subjects and characters who have fallen from grace. Faithful to the plot of the celebrated 18th century novel, he reiterates the tragic story of this sensual yet ingenuous character, both victim of and responsible for her fate. In Regency Paris, bourgeois society revels in luxury and easy pleasures. Carried away on this hedonistic whirlwind, Manon cannot resist temptation, bringing the faithful Des Grieux down with her in her fall. The choreography is constructed on a mosaic of extracts from music by Massenet, providing all the theatricality, freshness and romanticism demanded by this great danced fresco. Crowded ballroom scenes give way to sublime pas de deux until the ballet’s tragic end.
L'Histoire de Manon - Video
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Flamenco Festival 2023 at La Villette
Danse, Tout public, Saison 2023|24
du 21 au 25 juin 2023
Grande Halle
à partir de 12€
Présentation
Au solstice d’été, La Villette se met au rythme andalou. L’invitation est lancée à célébrer la culture flamenco, danser la rumba et suivre une masterclass. Des soirées d’exception conjuguent le duende dans toutes ses formes.
21 & 22 juin
Rafaela Carrasco • Nocturna (durée estimée 1h15) |Première en France
Accompagnée par le chant de Gema Caballero et neuf danseuses, Rafaela Carrasco raconte les nuits d’insomnie où nous dansons jusqu’à l’aube.
23 juin
Rosario La Tremendita • Tremenda (durée estimée 45 min)
Figure de rockeuse flamenca, Rosario Guerrero dite « La Tremendita » s’entoure du bassiste Juanfe Pérez, de David Sancho au clavier électrique et de Pablo Martin Jones à la batterie et ambiances sonores.
Alfonso Losa • Espacio Creativo (durée estimée 1h15)
Le danseur madrilène à la technique impeccable Alfonso Losa incarne la joie, la rage et le plaisir de partager la danse flamenca.
24 juin
À partir de 16h et en accès libre sous le péristyle
Rumbodrom : performance et flash mob avec le public • Ateliers Rumba • Masterclass
Suivi d’une soirée dynasties gitanes
Maria Terremoto (durée 40 min) Princesse du cante jondo, Maria Terremoto imprime la fraîcheur de sa jeunesse à la mémoire de ses ancêtres sans s’écarter de la ligne orthodoxe marquée par le feu.
Tomás de Perrate (durée 45 min) Le dernier album, Tres Golpes en version concert à l’énergie rock.
Nazaret Reyes et Pepe Torres (durée 1h) Les deux artistes de la balle issus de figures de légendes de la scène gitane chavirent à leur tour.
25 juin
Jose Manuel Álvarez • Bailes Colaterales (durée 1h10)
Bailes Colaterales convoque un univers de sensations universelles pour vivre les danses du présent.
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Nederlands Dans Theater NDT 2 / Nadav Zelner / Johan Inger
Bedtime story / Out of Breath
La Villette 14-17 June 2023
"Bedtime story" Photo: rahi rezvani
Le NDT 2 conjugue l’excellence de son aîné le NDT et la découverte de chorégraphes plus avant-gardistes.
Bedtime story
Influencé par les cultures populaires, le chorégraphe israélien Nadav Zelner s’empare de la danse avec un sens aigu du design et de la théâtralité. Des musiques les plus inattendues marquent ses oeuvre esthétisées et provocantes. À la lisière de contrées fantastiques, Bedtime story s’immisce dans ce bref instant du réveil où le rêve se superpose encore au réel.
"Out of Breath" de Johan Inger
"La pièce traite de la présence persistante de la mort, de la façon dont nous avons tendance à oublier qu'elle fait partie de notre vie quotidienne, mais aussi de la façon dont cette anxiété est constamment dépassée et transcendée par la vibration et la passion de la vie".
Johan Inger
Bedtime story / Out of Breath - Video
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GöteborgsOperans Danskompani / Damien Jalet/ Imre et Marne van Opstal
Kites / To Kingdom Come
La Villette 7-10 June 2023
Damien Jalet Kites Photo: Tilo Stengel
L’une des plus grandes compagnies de danse contemporaine s’allie à 3 chorégraphes d’exception : après Skid, Damien Jalet propose sa nouvelle création, Kites. Imre et Marne van Opstal explorent les limites du corps et de l’esprit avec To Kingdom Come.
Kites, Damien Jalet
Après Skid, donné à Chaillot en 2019 et créé en 2017 à Göteborg, spectacle sidérant où les dix-sept danseurs de la GöterborgsOperans Danskompani évoluaient sur une pente inclinée à 34°, Damien Jalet crée Kites pour la compagnie suédoise. Pour cette nouvelle pièce, le chorégraphe franco-belge reconduit quasiment la même équipe qui a assuré le succès de Skid, avec le plasticien new-yorkais Jim Hodges aux décors et le styliste Jean-Paul Lespagnard aux costumes. La musique est cette fois signée Mark Pritchard, un proche collaborateur de Thom Yorke.
Signifiant « cerf-volant », Kites nous rappelle que la vie et la danse ne tiennent qu’à un fil délicat qu’une brise pourrait souffler. Mais son envol utilise et déjoue les forces contraires, tel l’espoir qui nous submerge et nous donne la force naturelle de résister.
To Kingdom Come, Imre et Marne van Opstal (première en mars 2023)
Imre et Marne van Opstal sont frère et sœur. Ensemble, ils ont dansé principalement pour le Nederlans Dans Theater 1 et 2, et pour la Batsheva Dance Company. Ils en ont tiré un style inimitable, qui allie à la fluidité du néoclassique des éléments théâtraux, une danse viscérale et brute qui puise à des questionnements existentiels. Leur travail parle de la condition humaine, des limites et des possibilités du corps et de l’esprit. Leur nouvelle création explore la manière dont les traumatismes influencent à la fois l’individu et son environnement. Projetant les formidables danseurs de la GöteborgsOperans Danskompani dans leur monde surréaliste aux confins du réel, les entraînant dans une gestuelle instinctive, aussi physique qu’émotionnelle, cette création confirme l’excellence de la compagnie suédoise.
AGNÈS IZRINE
Kites / To Kingdom Come - Video
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Peeping Tom
Compagnie invitée
Palais Garnier - du 07 au 11 juin 2023
Fondée en 2000 par Gabriela Carrizo et Franck Chartier, Peeping Tom est une compagnie de danse‑théâtre belge qui met en scène ses acteurs‑danseurs au sein d’univers fantastiques où se mêlent langage chorégraphique extrême, technique virtuose et jeu dramatique intense. Dans des décors hyperréalistes qui évoquent un plateau de cinéma, Triptych réunit trois pièces qui entraînent les spectateurs dans un imaginaire labyrinthique surprenant. Au sein d’un salon dont les portes ne s’ouvrent pas, d’une cabine de bateau mystérieuse et d’un restaurant qui prend l’eau, les personnages de cette trilogie évoluent entre souvenirs réels et fantasmés, guidés par des forces naturelles qui les mènent vers un destin incertain. Par sa chorégraphie inventive, son ambiance inquiétante baignée d’effets sonores et son scénario qui explore les dimensions les plus crues de notre psyché, ce spectacle nous fait entrer dans la mémoire des personnages et fait de nous les voyeurs de leur drame intérieur.
PEEPING TOM - Video
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BENJAMIN MILLEPIED INSTALLE À MEUDON
Paris Dance project
au HANGAR Y
UN ESPACE DÉDIÉ À LA CHORÉGRAPHIE
le samedi 3 juin de 18h à 23h
NUIT BLANCHE: EXALTATIONS AVEC BENJAMIN MILLEPIED
Gratuit – réservation en ligne obligatoire
À l’occasion de la Nuit blanche, la compagnie Paris Dance Project, dirigée par Benjamin Millepied, présente un mouvement inaugural, le samedi 3 juin de 18h à 23h au Hangar Y, en coproduction avec la Philharmonie de Paris et en partenariat avec le Hangar Y et POUSH, et avec le soutien de Richard Mille et de la Ville.
Sept danseurs solos accompagnés de musiciens réalisent des performances inédites qui mettra la danse et les arts à l’honneur.
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Le Collectif Minuit 12 danse pour le climat
Le Collectif Minuit 12 danse pour le climat
Mi-artistique, mi-activiste, le collectif Minuit 12 est composé de jeunes danseurs et danseuses militant pour la défense de l'environnement. En octobre dernier, le collectif a publié avec Camille Etienne une vidéo sur Instagram – qui compte aujourd'hui plus de 860 000 vues – pour alerter sur le méga-projet pétrolier de TotalEnergies en Ouganda – EACOP. Interview.
Le nom Minuit 12 sonne comme un rappel que l'horloge tourne, que la deadline se rapproche et que le temps est compté. Les fondatrices du collectif sont convaincues que leur génération ne peut plus laisser passer un projet comme EACOP sans rien dire. Elles ont à peine 25 ans et s'appellent Jade Verda, Justine Sène et Pauline Lida. Cette dernière a accepté de nous parler de leur vision de la danse et de l'organisation de ce mouvement collectif joyeux. L'occasion de nous rappeler que, “à plusieurs, ça va aller.”
Stop EACOP - Video
Qui se cache derrière le collectif Minuit 12 ?
Pauline Lida : Minuit 12 est un collectif de jeunes danseurs et danseuses dont la moyenne d’âge est 24 ans. Notre but, c’est de parler d’écologie à travers une approche sensible, tantôt poétique, tantôt activiste. Le corps et le mouvement sont nos outils principaux, autant dans des projets scéniques que musicaux ou vidéo.
Plutôt que d’en faire un vecteur d’anxiété, nous avons décidé d’en faire une source de motivation
Pauline Lida Nous sommes convaincu·es que c’est en se rassemblant qu’on peut faire bouger les choses. Nous avons tous des profils de danseurs différents, de la danse contemporaine au hip-hop en passant par le locking – type de danse funk rattaché à la mouvance hip-hop, ndlr –, par ce que pour toucher un public large et que chacun se sente représenté, il faut mobiliser différentes esthétiques. Ce qu’on aime, c’est travailler sur la diversité des corps. Si l’on veut que l’écologie se ressente dans les corps, ces corps qu’on habite tous, alors elle doit intégrer tous les corps en mouvements.
Parmi les danseurs et danseuses qui nous rejoignent, il y a plusieurs profils. Certains aiment l’idée de participer à un projet de création, d’autres sont davantage sensibles au fait de militer pour l’environnement. D’ailleurs, dans notre public, c’est la même chose : certains viennent pour la danse, d’autres pour le message environnemental.
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LAVOIR MODERNE PARISIEN
Ancien lavoir de la fin du 19ème siècle, Le Lavoir Moderne Parisien est devenu un théâtre en 1986 et reste à ce jour l’unique théâtre du quartier de la Goutte d’Or. Pendant plus de 30 ans, il a été un lieu de culture et de rencontres artistiques pluri-disciplinaires avec une orientation fortement marquée vers les jeunes auteurs. Ses murs ont accueilli de nombreux talents tels Joël Pommerat, Valère Novarina, Koffi Kwahulé, Hubert Koundé, Maïmouna Gueye, Mathieu Boogaerts, Abd Al Malik, Youssou N’Dour, Alain Mabanckou, Les têtes raides… Le Lavoir Moderne Parisien est un lieu dédié à la création contemporaine résolument ancré sur son quartier. Son pari est de faire confiance aux jeunes compagnies, de promouvoir et de produire des formes et des écritures nouvelles.
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IDENTITÉ
COMPAGNIE KUMO
23 MAI > 24 MAI
MARDI 23 ET MERCREDI 24 MAI
à 21H
À PARTIR DE 12 ANS
DANSE
1H
LAVOIR MODERNE PARISIEN
Kumo vous présente leur spectacle, «Identité» composé de 4 danseurs.Une pièce mélangeant hip-hop, break et contemporain. Chaque être humain possède son identité, et nous sommes en quête de celle-ci tout au long de notre vie, peu importe la génération. De nombreuses choses nous influencent dont notre éducation, notre entourage, notre façon de penser, la technologie, les médias… Dans Identité vous découvrirez Kumo et leur identité mais aussi : l’identité à travers le virtuel, L’identité sexuelle : le rapport à l’autre et la tolérance, l’identité culturelle (la femme, le racisme…) mais aussi l’identité au sein de la société. «Identité» parle de sujets très importants, actuels et concerne toutes générations confondues. Ce spectacle est une bouffée d’émotions !
Mise en scène et écriture : Cie Kumo
Chorégraphie : Jamson
Styliste : Vincent Colbeaux
Direction Visuelle : Corey Yvon et Jordan Nkam
IDENTITE - CIE KUMO - Video
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DANS LA BOUCLE
CARRÉ BLANC CIE
23 MAI > 24 MAI
MARDI 23 ET MERCREDI 24 MAI à 19H
TOUT PUBLIC
DANSE
55 MIN
LAVOIR MODERNE PARISIEN
Trio de danse contemporaine aux influences jazz et hip-hop, Dans la boucle est la première pièce signée de Zoé Boutoille, Yane Corfa et Bryan Montarou, sous l’accompagnement artistique de Michèle Dhallu.
Elle questionne nos routines gestuelles, ces mouvement réglés dans le confort de nos foyers, que nous répétons, presque mécaniquement, sans plus y prêter attention.
Le confort et avec lui la simplification de nos gestes nous auraient-ils éloignés des chemins de l’aventure, de la rencontre et de la poésie ? Et quand la mécanique déraille, n’est-ce pas l’occasion rêvée de faire un pas de côté, de repenser sa liberté et tenter de retrouver « le sel de la vie » que revendique Stefano Boni ?
Ancré dans une esthétique vintage, Dans la boucle fait chavirer la vie de trois individus pour en faire ressortir émotions, situations cocasses et questionnements. Avec son écriture légère et sensible, Dans la boucle insuffle un vent frais de poésie et de folie venant éclairer notre vision du quotidien. A découvrir en famille, à partir de 6 ans.
« En nous privant de toute expérience considérée comme désagréable ou négative, le confort nous enferme dans un cocon protecteur qui nous coupe du monde extérieur et de nous-mêmes, de tout ce qui fait le « sel de la vie » et contribue à nous rendre pleinement humains. »
Homo Confort – Stefano Boni – 2022
Avec Zoé Boutoille, Yane Corfa et Bryan Montarou
Complicité artistique Michèle Dhallu
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ZEN TO – THE JOURNEY AHEAD
COMPAGNIE LABORATOIRE ROBESPIERRE
25 MAI
JEUDI 25 MAI
19H ET 21H
TOUT PUBLIC
DANSE
45 MIN
LAVOIR MODERNE PARISIEN
ZEN TO part d’un personnage qui n’a pas d’histoire mais qui par la force des choses va bien devoir s’en inventer une.
Axel Swann Poulsen s’amuse avec ZEN TO à la création d’une pièce chorégraphique. Placer un personnage dans un cadre, dans un contexte, voilà ce qui a du sens pour Axel Swann Poulsen. Nous assistons en direct à ces questionnements et à ces doutes.
Sans séduction mais à la recherche de sincérité, ZEN TO nous fait voyager dans la tête d’un chorégraphe qui arriverait sur un plateau avec ses vêtements de ville, avec un corps et une tête et une danseuse, Angela Mit comme partenaire.
Sur scène, ils se mettent en scène, ils construisent l’espace et nous emmènent dans les viscères d’un.e danseur.se en représentation et tentent de nous faire partager ce qu’est être là, ce qu’est ce moment si particulier et éphémère.
Pour aller au bout de l’expérience, Axel Swann Poulsen a composé la musique de ZEN TO.
Axel Swann Poulsen, né en 1999, danseur, chorégraphe, photographe et musicien formé au CRR de Paris et au Conservatoire National supérieur de Lyon en danse contemporaine, il étudie en parallèle l’anthropologie à l’université. Sa recherche chorégraphique est indissociable des influences que constitue ces pratiques diverses, constituant un des caractères fort de sa recherche. ZEN TO est sa cinquième chorégraphie après Esquisses d’une perspective, Allumettes, 111… Unbuntu et les Phagocytes. Il a été interprète pour le collectif Lisilog qui oeuvre pour l’émergence des nouvelles formes de relations musique et danse ainsi que pour le collectif Drive-in.
Son langage chorégraphique est marqué par sa rencontre avec Imre Thormann. « J’ai été formé en tant que danseur mais cela n’est pas suffisant… Je cherche à être dans le sincère. »
Axel Swann Poulsen compose la musique de ses chorégraphies.
Il présente actuellement une exposition de photographies argentiques qu’il tire lui-même au Théâtre Berthelot de Montreuil sur le processus de création d’une œuvre chorégraphique. Cette exposition est visible jusqu’au 6 mai.
Axel Swann Poulsen nous brouille, créé des chemins parallèles, nous écarte de nos certitudes en nous proposant de nous fier à nos inspirations, à nos instincts en jouant avec les formations et les diplômes… Sa prochaine création est une pièce de théâtre.
Chorégraphe : Axel Swann Poulsen
Musique : Axel Swann Poulsen
Lumière : Jean-Pierre Michel
Avec : Axel Swann Poulsen et Angela Mit
Production : Laboratoire Robespierre -THDT
Claudia Poulsen
Avec le soutien du Théâtre de L’échangeur – Cie Public chéri
Coproduction : La tuilerie de Saint-Witz. Avec le soutien de la ville de Montreuil et du Théâtre Berthelot de Montreuil et de la Spédidam
Zen to - The Journey Ahead - Video
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1,2,3 GAINS’BAR
COMPAGNIE LE G
26 MAI > 27 MAI
VENDREDI 26 ET SAMEDI 27 MAI
19H
TOUT PUBLIC
DANSE
1H
LAVOIR MODERNE PARISIEN
Spectacle mêlant danse contemporaine et hip-hop, théâtre et surprise en hommage aux textes de Serge Gainsbourg pour les 30 ans de sa disparition.
En 2020, Héléna Garric, danseuse et jeune chorégraphe, décide d’écrire un spectacle sur son idole de la chanson française, Serge Gainsbourg.
Mêlant différents styles de danse avec comme support ses meilleurs tubes, parfois revisités, ceci n’est ni une comédie musicale, ni un spectacle de danse contemporaine abstrait mais plutôt une sorte de théâtre dansé. On met les mots de l’artiste en exergue tout en traversant sa vie de façon chronologique. La ligne conductrice est une gestuelle très musicale avec une interprétation sans caricature de Serge, ses proches, ses humeurs, ses inspirations.
Serge Gainsbourg, charismatique, avant-gardiste, poète, timide et débridé à la fois, inspire bon nombre d’artistes. La volonté de mettre en valeur ses textes engagés, sans tabous, en passant par toutes ses époques, ses amours, ses hauts et ses bas, nous entraîne dans un voyage mouvementé, tumultueux, riche en couleurs et sombre à la fois…Comme Picasso et Miles Davis, Gainsbourg avait toujours le souci d’être dans le coup, changeant de style à chaque décennie. Dans ce spectacle, nous mettons à l’honneur 3 périodes musicales du compositeur: « Rive gauche », « Les Muses », « Gainsbarre ».
Les corps parlent et se tendent vers un but commun, délivrer toute la sensibilité d’une époque révolue, celle où un génie vivait encore.
Avec Nicolas Toussaint (Serge Gainsbourg), Roxane Errin (Juliette Gréco), Nicolas Retabi (Clyde), Justine Gérard (Jane Birkin) Maïwenn Bramoullé (Brigitte Bardot) et Timour Aydogan (Boris Vian)
1,2,3 GAINS'BAR - Video
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VAN GOGH, UN DERNIER ÉTÉ
COMPAGNIE DRIVE
26 MAI > 27 MAI
VENDREDI 26 ET SAMEDI 27 MAI à 21H
TOUT PUBLIC
DANSE
50 MIN
LAVOIR MODERNE PARISIEN
VAN GOGH, un dernier été» est un spectacle retraçant des moments de sa vie et le reflet de l’amour qu’il portait à l’humanité. Vincent Van Gogh pouvait rester des heures à contempler la nature jusqu’à en déceler le mouvement, il disait : » les gens sont la racine de tout « , ces éléments ont été déterminant afin de s’approcher de l’artiste et de créer cette retranscription corporel.
Danseurs : Simhamed Benhalima, Florent Gosserez, Éléonore Dugué, Lucie Dubois, Damiens Bourletsis
Musiques : Alexandre Dai Castaing
Peinture : Alain Mischel
Création : lumière Bertrand Perez
VAN GOGH, UN DERNIER ETE - Video
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Mette Ingvartsen
Skatepark
Chaillot Nomade à la Villette
9-14 mai 2023
Mette Ingvartsen SKATEPARK Photo: Bea Borgers
Des skateurs, des danseurs, une seule scène. Une réelle rencontre au-delà de l’âge entre des individus qui ne cessent de défier et de repousser les limites de leurs possibilités.
Mue par une conception extensive de la danse, la chorégraphe et performeuse Mette Ingvartsen explore un territoire hybride au contact direct d’autres domaines tels que les arts visuels et la technologie. Sous des formes très variées, ses projets se concentrent en particulier sur les rapports entre les corps et leur environnement.
Ayant été frappée il y a quelques années par l’effervescence performative dans un skate park de Bruxelles, la ville où elle réside, Mette Ingvartsen a éprouvé le désir de la restituer sur scène. Ainsi a pris forme Skatepark, création à grande échelle qui mobilise une vingtaine d’interprètes, dont une moitié changeante, recrutée dans chaque ville de représentation.
Conçue comme un milieu vivant, voire virevoltant, que partagent différents individus et petits groupes, la pièce déploie une multitude d’actions et de mouvements. En interférence étroite avec l’espace public qui l’inspire, elle transmet tout du long une extrême jubilation physique et donne à percevoir une communauté mouvementée dans tous ses éclats.
JÉRÔME PROVENÇAL
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Smaïl Kanouté
NEVER TWENTY ONE
Chaillot Théâtre National de la Danse
Salle Firmin Gémier 10-13 mai 2023
Smaïl Kanouté NEVER TWENTY ONE Photo: Mark Maborough
Dans une atmosphère urbaine teintée de chamanisme, trois danseurs ressuscitent les mots-maux des victimes des armes à feu de New York, de Rio ou de Johannesburg en s’appuyant sur les danses krump, popping, baile funk, contemporaine et intuitive.
Artiste interdisciplinaire, à la créativité débordante, Smaïl Kanouté façonne un langage scénique qui conjugue intimement la danse et les arts visuels – comme une calligraphie en mouvement(s). Très ambitieuses et inventives sur le plan esthétique, ses pièces s’ancrent par ailleurs en profondeur dans le champ sociopolitique. Premier volet d’un triptyque annoncé sur la communauté noire, NEVER TWENTY ONE tend à rendre hommage aux jeunes qui meurent avant l’âge de 21 ans, victimes d’armes à feu, dans les quartiers dits sensibles de New York, de Rio de Janeiro ou de Johannesburg – le titre faisant écho au fameux hashtag #Never 21, généré par le mouvement Black Lives Matter. Construite sur la base de témoignages de proches des victimes, en partie retranscrits sur les corps des trois danseurs (dont Smaïl Kanouté lui-même), la pièce traverse divers univers expressifs – du krump à la danse contemporaine en passant par le popping ou le baile funk – pour évoquer ces destins tragiques avec une sensibilité à fleur de peau et faire advenir in fine une forme de résilience.
JÉRÔME PROVENÇAL
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Damien Jalet / Fouad Boussouf / Ballet du Grand Théâtre de Genève
THR(O)UGH + VÏA
LA FILATURE / Scène nationale Mulhouse 16-17 May 2023
Ballet
du Grand Théâtre de Genève
through Photo: bettina stoess
THR(O)UGH is inspired by a Japanese ritual in which men ride on huge tree trunks. These are evoked here by an imposing cylinder that the dancers dodge, cross and pass through with impressive virtuosity. In the second part, VÏA evokes the earth and its warm tones, the street and its asphalt, in dialog with the raw energy of Fouad Boussouf.
THR(O)UGH de Damien Jalet
Fascinated by rituals, states of danger, and gravity as a linking dimension in all these phenomena, Damien Jalet and New York visual artist Jim Hodges, have made a piece where a huge cylindrical object, like a tunnel or a passage between the natural and the supernatural, invites dancers to interact with it. This project was catalysed by Damien Jalet's personal experience as a witness and survivor of the 13 November 2015 attacks in Paris. To process the unerasable images of these atrocities and soothe a broken spirit, THR(O)UGH's tunnel brings the darkest memory of the choreographer's life into a different light. Christian Fennesz's music influences the physicality of the dancers in this chaos, between crash-test dummies and ghosts. Virtuoso, random, incandescent, always between control and derailment, their clothes (Jean-Paul Lespagnard) bear witness to the intense experiences of their collective life. THR(O)UGH bears the traces of the moment of unforeseen danger, that precise moment when time and place determine our future.
VÏA de Fouad Boussouf
Dancer, choreographer and dance educator, Fouad Boussouf was born in Morocco and arrived in France at the age of 7. Since January 2022, Boussouf has been the director of the Centre chorégraphique national du Havre. He brings with him the prominent Swiss artist Ugo Rondinone, a sculptor with a penchant for generous sizes, with a psychedelic palette and already a participant in a video-dance piece, Burn to shine, created in 2020. For VÏA, Boussouf and Rondinone have imagined a luminous stage with warm tones like asphalt under the sun, where the dance is brought back to its point of origin, the ground. This origin, for Fouad, is also the African earth, the street and the ways of hip-hop dance, the urban path that one hits, against which one bounces, not necessarily high, but strong. Until the trance, where the body, tired of leaving its trace, crashes, rounds and evaporates. VÏA is a presence at all times, where there are no wrong or right tracks to follow, instead, there is accuracy, even justice.
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CNSMDP / Bagouet
Necesito, pièce pour Grenade
Chaillot Théâtre National de la Danse
Salle Firmin Gémier 23-24 mai 2023
CNSMDP / Bagouet
CNSMDP - Bagouet Photo: Laurent Philippe
The young performers of the Ensemble chorégraphique bring to life the fine dance writing and imagination of the choreographer Dominique Bagouet, with a piece performed for the first time in its entirety in thirty years.
Necesito, pièce pour Grenade, is a solar piece, suggesting an imaginary Spain, including the lapping of fountains in the patios, the sensuality of Arab-Andalusian songs and popular music. A group of slightly eccentric tourists, in shorts or summer dresses, stroll around in a hurry. They stretch voluptuously, sit or lie down. A pink marble floor inlaid with mosaics recalls the Alhambra. This work, the last by Dominique Bagouet, who died of AIDS just thirty years ago, expresses above all an amused taste for freedom and a sensitivity to the fragility of the things in life. Its rich gestures, which borrow from all styles of dance, are perfect for highlighting the expressiveness and subtlety of the young dancers of the Ensemble chorégraphique du Conservatoire de Paris.
AGNÈS IZRINE
CNSMDP / Bagouet - Video
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Batsheva Dance Company / Ohad Naharin
MOMO
La Villette / Grande Halle 24 May - 3 June 2023
Batsheva Dance Company / Ohad Naharin
Batsheva MOMO Photo: Ascaf
Ohad Naharin's next creation promises new emotions: a large stage, eighteen dancers. We’ll sign up, no questions asked.
Each visit by the Batsheva Dance Company to Chaillot is an event. Each creation, a hope. Ohad Naharin, the troupe's resident choreographer and inventor of the Gaga technique, is more than ever a free spirit in contemporary dance. Beyond his influence on a whole generation of choreographers, from Sharon Eyal to Hofesh Shechter, Ohad Naharin has been able to unite performers from all over the world around an ideal of beauty and creativity. Some of his pieces, such as Decadance, Hora and Kamuyot, are now practically classics in a brilliant career. With its precise gestures, channelled energy and exacerbated musicality, Naharin's movement is in touch with its time. This season in Paris, the choreographer has announced a new creation for 18 dancers. It is an understatement to say that it is highly anticipated.
PHILIPPE NOISETTE
MOMO has two souls. One sends long roots to the depths of the earth – a soul that embodies archetypes and myths of hardened, raw masculinity, and the other is in a constant search for an individual and distinct DNA; one moves within its own autonomous and independent force field and the other is a constellation of elements that spin around the same nucleus – alternately drifting away and towards it, making room for necessary tenderness and catharsis.
With a soundtrack comprised mostly of the album Landfall by the legendary Laurie Anderson and Kronos Quartet, one of the foremost contemporary classical music ensembles, a shared passion of deep sorrow and beauty unfolds on stage. Relinquishment becomes a dedicated search for a crack, and glitches in the movement code turn out to be free, playful, and emotive material.
SHIRA VITALY
Batsheva Dance Company - Video
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Jeune Ballet du CNSMD de Lyon
Body Scores
Chaillot Théâtre National de la Danse
Salle Firmin Gémier 26-27 mai 2023
Bienvenue aux nouvelles générations : dans ce programme, les danseurs du Jeune Ballet explorent les territoires de chorégraphes émergents nourris par le métissage des pratiques, des communautés et des styles de danse.
De l’énergie et du talent, le Jeune Ballet lyonnais en a à revendre. Cette troupe de danseurs-étudiants en fin de formation, placée sous la direction artistique de Kylie Walters, conjugue une solide formation en classique ou en contemporain et un appétit dévorant pour toutes les expériences. En témoigne ce riche programme qui ne confronte pas moins de quatre créations sur la notion de corps, thème de leur année d’études. Performatif et indissociable de la notion d’œuvre d’art pour Eszter Salamon, présent-absent entre puissance et fragilité chez Christian Ubl, intensément musical pour le chorégraphe et compositeur électro Rubén Julliard, ou transformé en véritable partition à la croisée des disciplines par DD Dorvillier : partout le corps exulte, et les interprètes s’en donnent à cœur joie.
ISABELLE CALABRE
Jeune ballet du CNSMD Lyon - Video
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The Dante Project
Wayne McGregor
Palais Garnier - du 03 au 31 mai 2023
Créé à Londres en octobre 2021, The Dante Project fait aujourd’hui son entrée au répertoire de l’Opéra national de Paris. Sur une partition orchestrale très colorée de Thomas Adès, le chorégraphe britannique Wayne McGregor propose un ballet en trois actes qui s’inspire des paysages tour à tour glaçants et solaires de La Divine Comédie. Écrit au XIVe siècle par Dante, ce poème fondateur de la langue italienne raconte un périple initiatique à travers l’Enfer, le Purgatoire et le Paradis. Donnant vie par la danse à cet imaginaire chrétien du Moyen Âge, dans lequel une jeune femme, Béatrice, incarne une promesse d’amour et d’espoir, McGregor reconstruit un arc narratif qui entraîne les spectateurs dans un cheminement continu, où les sons, les gestes et les lumières forment la matière d’une mystérieuse et changeante constellation.
The Dante Project - Video
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Soirée exceptionnelle en l’honneur de Claude Bessy
Palais Garnier - le 19 avril 2023 à 19h30
Grande figure de la danse dans le monde entier, la danseuse Étoile Claude Bessy a été directrice de l’École de Danse de l’Opéra national de Paris de 1973 à 2004. Au cours de ces années, elle a renouvelé en profondeur l’enseignement, créé les Démonstrations, inauguré les spectacles annuels au Palais Garnier aussi bien que les représentations en tournée. À l’occasion de ses 90 ans, les élèves de l’École lui consacrent une soirée exceptionnelle, composée d'extraits de ballets et d'un film sur sa vie réalisé par Fabrice Herrault.
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FUTUR PROCHE
La Villette - du 26 au 28 avril, 2023
Jan Martens / Opera Ballet Vlaanderen
NOS SOCIÉTÉS SONT-ELLES PRÉPARÉES AUX DÉFIS ACTUELS ? JAN MARTENS MET EN RÉSONANCE LE BESOIN DE REPENSER L’AVENIR, LE CLIMAT ET LA VIE AVEC NOS RACINES ARTISTIQUES.
Invité à créer avec l’Opera Ballet Vlaanderen, le chorégraphe belge confirme son amour du clavecin contemporain, récemment affiché dans son solo Elisabeth Gets Her Way. Si l’instrument est historique, un répertoire moderne lui est dédié, ici interprété par Gośka Isphording, spécialisée dans les instruments anciens. Elle accompagne 15 danseurs et deux enfants incarnant l’avenir de nos pays, face aux craintes liées au changement climatique, aux pandémies ou à la guerre.
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Any attempt will end in crushed bodies and shattered bones
La Villette 11 - 13 mai, 2023 - Jan Martens
UNE CHORÉGRAPHIE DE LA FOULE, MISE EN TENSION ENTRE ORDRE IMPOSÉ ET ASPIRATION À LA LIBERTÉ, OÙ LE CORPS DE BALLET INCARNE LA RÉSILIENCE CITOYENNE.
Toute tentative (de soulèvement) se soldera par des corps brisés: le titre choc fait référence aux menaces de régimes totalitaires face à la contestation dans la rue. Jan Martens met en scène les formes d’organisation des manifestants autant que celles du pouvoir policier et militaire. Microcosme très citoyen, son corps de ballet contemporain quadrille l’espace selon des géométries strictes, auxquelles s’oppose la vivacité démocratique du groupe. Progressivement, les corps se libèrent à partir de l’acte de marcher et réclament le droit de s’opposer aussi à la mobilité permanente, imposée par le néo-libéralisme.
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MAISON D'EN FACE
CHATELET - du 3 au 13 avril, 2023 - Leo Walk
Le jeune chorégraphe Léo Walk signe son retour au Théâtre du Châtelet dans un deuxième spectacle qui met en mouvements une histoire peut-être encore plus personnelle que celle de : les relations tissé es au sein de sa compagnie. Le voyage du groupe d’amis se fait intérieur, à la découverte d’eux mêmes et de leur rapport aux autres. L’histoire se dévoile autour d’une scénographie qui dessine un espace à la fois étrange et familier. Une maison onirique aux courbes douces, aux proportions étonnantes et aux couleurs harmonieuses. Porter un regard nouveau sur le familier, voilà l’idée centrale de Maison d’en face.
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IL ÉTAIT UNE FOIS
CASSE-NOISETTE
CHATELET - du 19 au 30 avril, 2023 - D'aprés le ballet-féérie de Piotr IIitch Tchaikovski
L’ancien danseur étoile Karl Paquette a
toujours souhaité transmettre au jeune public
la passion de la danse, sa magie et sa féerie.
Après l’immense succès de Mon premier Lac
des cygnes, il nous raconte les secrets de la
création de Il était une fois Casse-Noisette.
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BALLET
Pit
Bobbi Jene Smith et Or Schraiber
Palais Garnier - du 17 au 30 mars 2023
Pit - Héloise Jocqueviel - Mickaêl Lafon - Photo: Yonathan Kellerman
Bobbi Jene Smith et Or Schraiber présentent Pit, leur première création pour le Ballet de l’Opéra national de Paris.
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BALLET Who Cares?
George Balanchine - Palais Garnier - from 06 February to 10 March 2023
Created in 1970 by the New York City Ballet, Who cares? is a suite of dances to songs by George and Ira Gershwin – including the “classic” that gives the piece its name and I Got Rhythm – against the backdrop of the Manhattan skyline. Who cares? combines an ensemble of dancers in various formations, followed by four soloists. All come together in a playful finale in which Balanchine wanted to show the ’musical genius and melodic beauty of Gershwin’s compositions through classical dance’. of Gershwin’s compositions through classical dance’. A tribute to the grandeur of Imperial Russia, Ballet Impérial was created in 1941 by the American Ballet Caravan to Tchaikovsky’s Second Piano Concerto. A work in which George Balanchine brilliantly celebrates the technical virtuosity of academic ballet in the style of Petipa – his “spiritual father” – and the great St Petersburg tradition.
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BEHIND THE LIGHT
CHORÉGRAPHIE & DRAMATURGIE Cristiana Morganti
Les Abbesses - 06 - 11 mars, 2023
Cristiana Morganti - Photo: Connie Pranter
Cristiana Morganti se livre avec humour et autodérision, douceur et franc-parler. Et comme à son époque chez Pina, on s’attache à elle grâce à sa sincérité. Dans son troisième opus autobiographique, elle évoque des épreuves de la vie aussi épiques qu’authentiques, en gardant la tête haute et le cœur léger. Elle danse, se narre et se marre, généreuse et contagieuse, débordant d’envie de partager ses aventures. Un vrai antidote à toutes les crises, et la poursuite d’un lumineux parcours d’artiste !
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DANCE LUCINDA CHILDS
Lucinda Childs / Philip Glass / Ballet de l'Opéra de Lyon
MAC Créteil
16 - 18 mars, 2023
DANCE LUCINDA CHILDS - Sadler's Wells
En plus de 40 ans, l’épure absolue de Dance n’a rien perdu de son éclat ni cessé d’alimenter l’univers de Lucinda Childs. Depuis sa création, la partition croisée pour corps, rythmes, temps, espace et images sait cacher la complexité de sa démarche – d’une rigueur toute mathématique – sous une simplicité apparente. Où les gestes se glissent dans la partition répétitive de Philip Glass avec une clarté extrême et le flux permanent des corps se reflète dans la captation de Dance par Sol LeWitt, réalisée en 1979 et projetée en fond de scène, pour que les danseurs en mouvement soient la seule scénographie de ce grand classique moderne.
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LES AILES DU DESIR
Bruno Bouché - Ballet de l'Opéra National du Rhin
CHATELET 29 Mars - 1er Avril
Les Ailes du Désir Photo: A. Poupeney
Dans Les Ailes du désir, le réalisateur
allemand Wim Wenders imagine qu’un ange
quitte sa condition, sa pure et immatérielle
éternité, et décide de s’incarner pour
l’amour d’une femme... S’inspirant de ce
chef-d’œuvre du septième art, Les Ailes du
désir de Bruno Bouché sont une invitation
à explorer par la musique et le geste dansé
ce mystère absolu de l’incarnation.
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aSH - Aurélien Bory / Shantala Shivalingappa
Espace Cardin - du 14 au 22 February, 2023
Horaires: 15:00 / 20:00
Cie111 - aSH Aurelien Bory - Photo: Aglae Bory
Aterballetto / Angelin Preljocaj / Rachid Ouramdane - Over Danse
Chaillot Théâtre National de la Danse - Salle Firmin Gémier - du 15 au 23 February, 2023
REPRÉSENTATIONS :
Mer 15 fév — 20h30
Jeu 16 fév — 19h30
Ven 17 fév — 20h30
Sam 18 fév — 17h00
Mar 21 fév — 20h30
Mer 22 fév — 20h30
Jeu 23 fév — 19h30
Un jour nouveau - Rachid Ouramdane - Photo: Patrick Cockpit
Ayelen Parolin / RUDA
SIMPLE
Chaillot Théâtre National de la Danse - Salle Firmin Gémier - du 22 au 25 March, 2023
REPRÉSENTATIONS : Mer 22 mars — 20h30
Jeu 23 mars — 19h30
Ven 24 mars — 20h30
Sam 25 mars — 17h00
Ayelen Parolin - SIMPLE - Photo: François Declercq
Ballet British Columbia Bedroom Folk / The Statement / GARDEN
Chaillot Nomade à la MAC de Créteil - du 1 au 3 February, 2023
Horaires Mer 01 fév — 20h00
Jeu 02 fév — 20h00
Ven 03 fév — 20h00
Ballet B.C. - The Statement - Photo: Michael Slobodian
Gisèle Vienne -
This is how you will disappear
La Colline / Grand Théâtre - du 6 au 15 Janvier 2023
Horaires Ven 06 jan — 20h30
Sam 07 jan — 20h30
Dim 08 jan — 15h30
Mar 10 jan — 19h30
Mer 11 jan — 20h30
Jeu 12 jan — 20h30
Ven 13 jan — 20h30
Sam 14 jan — 15h30
Sam 14 jan — 20h30
Dim 15 jan — 15h30
Rachid Ouramdane Variation(s)
Chaillot Théâtre National de la Danse - Salle Firmin Gémier - du 10 au 14 Janvier 2023
Mar 10 jan — 20h30
Mer 11 jan — 20h30
Jeu 12 jan — 19h30
Ven 13 jan — 22h00
Sam 14 jan — 19h30
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Lumen - Jasmine Morand
Les Abbesses - du 11 au 14 Janvier 2023
Horaires 20:00
Sylvain Huc - Wonderland
Centre national de la danse / Grand studio - du 11 au 21 Janvier 2023
Mar 17 jan — 10h30
Mar 17 jan — 14h30
Mer 18 jan — 14h30
Jeu 19 jan — 10h30
Jeu 19 jan — 14h30
Ven 20 jan — 10h30
Ven 20 jan — 19h00
Sam 21 jan — 11h00
Mehdi Kerkouche / CCN de Créteil et du Val-de-Marne
PORTRAIT
Chaillot Théâtre National de la Danse / Salle Firmin Gémier - du 18 au 21 Janvier 2023
Mer 18 jan — 20h30
Jeu 19 jan — 19h30
Ven 20 jan — 20h30
Sam 21 jan — 17h00
Sacrificing while lost in salted earth - Hooman Sharifi
Le Centquartre-Paris - du 18 au 21 Janvier 2023 Création / Impure Company
Horaires 20:30
Zaman sans toi / Yaïr Barelli
Espace Cardin - du 20 au 23 Janvier 2023 / By Association
Horaires 18:00 / 19:00
Et si tu danses / Marion Lévy
Espace Cardin - du 25 Janvier au 29 2023 / Cie Didascalie
Horaires 10:00 / 11:00 / 14:30 / 15:00 / 18:30
Dorothée Munyaneza
Mailles
Chaillot Théâtre National de la Danse / Salle Firmin Gémier - du 25 au 28 Janvier 2023
Mer 25 jan — 20h30
Jeu 26 jan — 19h30
Ven 27 jan — 20h30
Sam 28 jan — 17h00
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Past Paris Events in 2022:
Via Katlehong / Amala Dianor / Marco da Silva Ferreira Via Injabulo
Chaillot Théâtre national de la danse Salle Jean Vilar 6-9 oct 2022
(LA)HORDE / Ballet national de Marseille WE SHOULD HAVE NEVER WALKED ON THE MOON
Tous les espaces de Chaillot 27 oct - 4 nov 2022
Be Here Now
CHORÉGRAPHIE Benjamin Millepied LIEU Théâtre du Châtelet DATES 13 - 16 oct. 2022
Mythologies
Angelin Preljocaj / Thomas Bangalter LIEU Théâtre du Châtelet DATES 22 oct.05 nov. 2022
Past Events in September, 2022:
Compagnie XY en collaboration avec Rachid Ouramdane
Möbius
7-18 sep 2022
1930 Sept. 2022
Le Sacre du printemps / common ground[s]
Pina Bausch / Germaine Acogny / Malou Airaudo
Horaires
Lieux
19:00 / 20:00
La Villette
Sharon Eyal
Chapter 3: The Brutal Journey of the Heart
22 sep - 1 oct 20
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Past Events - July, 2022
Jul 04Jul 13, 2022 CRÉATION GRIP Elisabeth Gets Her Way Jan Martens 15:00 / 20:00 Théâtre Les Abbesses
CHORÉGRAPHIE & DANSE Jan Martens
Le portrait dansé d’une grande musicienne. Rencontre inattendue et touchante entre un danseur-chorégraphe et le clavecin contemporain.
Jan Martens n’est jamais là où on l’attend. Incarnant à lui seul la remarquable ouverture d’esprit du paysage artistique flamand, il nous fait ici la proposition insolite d’un solo en hommage à Elisabeth Chojnacka, virtuose contemporaine du clavecin. Pendant un demi-siècle, jusqu’à son décès en 2017, elle fut l’égérie des cordes pincées au sautereau, inspirant les plus grands compositeurs contemporains, de Ligeti à Xenakis et autres Górecki, à créer sur mesure pour son talent démesuré. Comme Jan Martens, Elisabeth Chojnacka s’est produite à plusieurs reprises au Théâtre de la Ville, en récital ou dans les créations de Lucinda Childs, endroit naturellement incontournable pour ce solo. Où Jan Martens danse en écho à la musicienne et son approche percussive du clavecin, sur des rythmes complexes et imprévisibles, non sans donner la parole à ceux qui l’ont connue et accompagnée. Un hommage sincère et émouvant.
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Past Events:2022
Théâtre de Chaillot
Sydney Dance Company / Rafael Bonachela
La Sydney Dance Company, forte de dix-sept danseurs de très haut niveau, est la plus grande compagnie contemporaine d’Australie, dirigée depuis douze ans par Rafael Bonachela. ab [intra] en latin signifie « de l’intérieur ». Pour Rafael Bonachela, le chorégraphe directeur artistique de la Sydney Dance Company, la locution désigne avant tout le travail des danseurs qui consiste à projeter à l’extérieur, pour un public, ce qu’il ressent de l’intérieur. D’ailleurs, le spectacle semble commencer dans un studio avant d’exploser en duos, trios et ensembles d’une force peu commune. Les dix-sept danseurs mettent en valeur une gestuelle athlétique et charnelle, d’une précision redoutable. Fluidité et vélocité sont les maîtres mots de ce ballet dont le phrasé s’appuie sur de complexes entrelacs. La musique très lyrique de Nick Wales émaillée par les accents d’un violoncelle issus d’une composition de Peteris Vask, fait vibrer les corps comme autant de cordes sensibles dans cette chorégraphie toute en énergie, en sensations, en virtuosité expressive.
AGNÈS IZRINE
SALLE/LIEU
Salle Jean Vilar
DURÉE
1h10
REPRÉSENTATIONS
Mer 23 mars — 20h30
Jeu 24 mars — 19h30
Ven 25 mars — 20h30
Sam 26 mars — 20h30
Dim 27 mars — 15h30
Mar 29 mars — 20h30
Mer 30 mars — 20h30
Jeu 31 mars — 19h30
Ven 01 avr — 20h30
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Past Events:2021
« Démo-Porte ouverte » organisée par MulVaBé Danse
Avec les danseurs de MulVaBé Danse, Cyberdanse Paris et Le French cancan de Monika
Dimanche 12 décembre 2021 à 16h00 Gymnase Vaugirard-Littré 87 rue de Vaugirard 75006 Paris M° St Placide
Au programme : Enchainements chorégraphiés – French cancan – Danse classique – Créations – Ateliers participatifs avec le public
Entré gratuite
Impératif : Port du masque et Pass sanitaire
Informations : benedicteohara@gmail.com www.mulvabe.com www.cyberdanseparis.com https://lefrenchcancan.com/
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Where it all started!
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